Ranking Die 20 größten und meist gefeierten Long Takes

Dieses Wochenende “;Der Überfall 2”; öffnet, in all seiner Pracht, in limitierter Auflage und wird in den kommenden Wochen erweitert. Fortsetzung vom Original “;Der Angriff, ”; Obwohl nach allem (einschließlich unseres) Kampfszenen flüssiger und fesselnder als ihre Vorgängerin (die so ziemlich alle eine Kampfszene waren) sind, werden viele überdurchschnittlich lange Einstellungen verwendet, um der Szene einen zusätzlichen realistischen und dynamischen Effekt zu verleihen alte Ultra-Gewalt. Dieser Ansatz zeichnet sich aus Gareth EvansAuch beim letzten Mal fühlt sich der Shooting-Style wie ein erfrischender Kontrapunkt zur Hyperkinetik an Michael Bay Die Schule des Schnitts, die sich oft so anfühlt, als würde sie sich so sehr verstecken, wie sie sich zeigt.



Wenn die Verwendung von langen Einstellungen in Aktionssequenzen jedoch immer noch ein relativ neues Phänomen ist, ist die Filmgeschichte der erweiterten Einstellung im Allgemeinen viel länger, und wir dachten, wir würden diese Gelegenheit nutzen, um unsere Favoriten auszuwählen. Dies stellte sich als rechtzeitiges Unterfangen heraus, denn wie Sie vielleicht wissen, hat kürzlich in der (Gott verzeih mir) Blogosphäre eine Debatte darüber begonnen, ob Kritiker und Filmkommentatoren mehr über die Form und die handwerklichen Aspekte des Filmemachens sprechen und schreiben sollten als sie (wir) derzeit tun.

Ausgelöst durch einen gut geschriebenen, interessanten und artikulierten Beitrag von Matt Zoller Seitz auf RogerEbert.com, mit dem wir nicht so heftig einverstanden sind, dass wir vielleicht etwas verschoben haben, hat die Debatte tatsächlich einen Einfluss auf dieses Merkmal: Es geht schließlich darum Eine Gruppe von Filmen, die sich den Spaltenraum teilen, basierend auf formaler und nicht thematischer oder narrativer Ähnlichkeit. Und doch ist dies für uns genau das Paradoxon, das am Rand dieser Liste schwebt: Entgegen der Art von Analyse, nach der Seitz sich zu sehnen scheint (unter anderem in Anlehnung an Andrew Sarris), sind unsere eigenen Impulse immer auf die Beschreibung gerichtet des bewirken einer bestimmten Technik auf das Verständnis der Geschichte oder Stimmung, anstatt auf die Technik selbst. Wo Seitz sagt, werden Filme von Filmemachern gedreht. Schreiben Sie über das Filmemachen ”; wir müssten mit 'ja' kontern, aber es werden Filme gemacht zum Zuschauer. Schreiben zum der Betrachter. ”; Wie viel wollen wir als Zuschauer wissen, wie die Wurst hergestellt wird, und wie viel wollen wir nur wissen, dass sie auf eine möglichst gebildete und aufschlussreiche Weise köstlich schmeckt?



Ja, wir schweifen ab, aber das war alles in unseren Gedanken, als wir unsere Liste der langen Takes zusammenstellten, denn so sehr wir die Fetischisierung der Form über den Inhalt ablehnen, kann die lange Einstellung in dieser Debatte durchaus Ground Zero sein, da es ’; s ein Beispiel für formales Experimentieren, das oft so auffällig ist, dass selbst der zufällige Betrachter oder der am entschlossensten an Geschichten orientierte Kritiker es aufgreifen kann und tut. Diese Fälle können für eindrucksvolle Momente sorgen, aber letztendlich können sie auch den Bann eines Films brechen, und so haben wir, während wir notgedrungen einige wenige eingeschlossen haben, meistens unsere Auswahl in Richtung ausgedehnter Einstellungen, die einen bestimmten erzählerischen Zweck haben, schwer abgewogen außerhalb von “; schau mich an! Ich habe keinen Einschnitt verwendet Protokoll! ”; Warum? Denn selbst hier, in einem Artikel über eine formelle Konvention, reden wir lieber über Geschichte als über Stil. Wir sind unverbesserlich.



20. “Panikraum”(Fincher, 2002) DP: Darius Khondji, Conrad Hall
Beginnen wir also damit, die Augment-the-Storytelling-Regel mit diesem fast beleidigenden Show-Off zu brechen. CG-Establishing-Shot schwebt unmöglich durch Geländer, Kaffeekannengriffe, in Schlüssellöcher und aus diesen heraus und dann durch die Decke. Die technische Virtuosität hier ist unbestreitbar und hat es sich zu einem Punkt auf dieser Liste gemacht, aber wir argumentieren, dass dies auch ein Beispiel dafür ist, wie man Form vor Inhalt in einem nachteiligen Ausmaß setzt. Das Haus fühlt sich durchlässig an, die Geographie verformbar, wenn sie begrenzt und begrenzt sein sollte, und die Klaustrophobie der Prämisse wird durch das früh festgestellte Gefühl untergraben, dass sich bereits jemand anderes im Haus befindet - die neugierige, allmächtige Kamera.



19. “Werckmeister Harmonien(2000) Regisseur: Schöner Tarr DP: Patrick de Ranter

Es gibt einige Regisseure, für die Long Takes nicht so sehr ein Werkzeug in ihrem Arsenal als eine Lebensweise sind, und nicht für jeden ungarischen Maestro kann Bela Tarr definitiv zu diesen gezählt werden. Tatsächlich sind die 145-minütigen Harmonien eine Serie von nur 39 langsamen Einstellungen (der durchschnittliche Film hat 5000-fache Schnitte), aber diese besondere Szene zeichnet sich durch ihre komplexe Inszenierung und ihre gruselige Abwesenheit von Dialogen aus, wenn die eindringenden Schläger die Wunden schlagen in ein Krankenhaus mit fast lobotomisierter Gewalt. Und dann gipfelt die seltsame Träumerei in einem seltsam schönen Bild, als sie auf einen alten Mann stoßen, nackt wie ein Märtyrer, und Scham, eines der Themen des Films, überwindet sie.
18. “Sühne”(2007) Regisseur: Joe Wright DP: Seamus McGarvey

Ein weiteres Beispiel für eine lange Einstellung, die in ihrer Platzierung in der Mitte des Films ziemlich selbstbewusst ist und ansonsten nicht den gleichen Stil verwendet. Diese epische Einstellung aus „Atonement“ mag untypisch sein, aber die Komplexität ihrer Choreografie allein schon auch sein Ehrgeiz (das Chaos und die Hoffnung und die Tragödie von Dunkirk einzufangen) kann nicht beanstandet werden. Aber es ist auch etwas Künstliches dabei, fast theatralisch (obwohl die Bühne riesig ist), das ihm ein gesteigertes, hyperreales Gefühl verleiht - jeder Moment ist so voller Vorfälle und Details, dass es wie bei ein paar anderen Beispielen auf dieser Liste eine Einstellung ist das könnte fast alleine außerhalb des Films stehen, dem es angeblich dient.



17. “Hart gekocht(1992) Regisseur: John Woo DP: Wang Wing-Hang Mit 'The Raid' -Filmen und den Filmen von Tony JaaUnter anderem sollten wir uns daran erinnern, dass das Wort „Ballett“ als Deskriptor für Actionszenen des ursprünglichen Ballettmeisters John Woo in einer Zeit verwendet wurde, in der man für ihre anmutige, oft lange währende Vorgehensweise Anerkennung fand. 'Hard Boiled', sein letzter Film aus Hongkong, bevor er nach Hollywood aufbrach (wir würden sagen, um die Renditen zu verringern), ist einer seiner besten Filme, der uns nicht nur das ikonische Image von 'Hard Boiled' schenkt Chow Yun-Fat mit einem Baby in einem Arm und einer Schrotflinte in dem anderen, aber auch diesem tapferen 2-Meter-40-Schuss (der ein 20-sekündiges Aufzugsgespräch beinhaltet, bei dem die Crew das gesamte Set zurücksetzte).
16. “Die Ohrringe von Madame de…(1953) Regisseur: Max Ophüls DP: Christian Matras Ein bekennender Einfluss auf Kubrick und Paul Thomas Andersonund so gut wie jeder andere Filmemacher, der jemals seine Kamera bewegt hat, ist Ophüls berühmtere und längereDie Runde, ”Aber dieser fühlt sich für uns einfach spezieller an. In dieser Einstellung, die Bewegung mit Mise-en-Scene und Rahmung kombiniert, wird die Geschichte auf den Punkt gebracht, indem ein Charakter und ein Milieu so prägnant vorgestellt werden. Aber dann könnte diese ganze Liste Ophuls gewidmet sein, deren Stil sogar Anlass gab James Mason um ein Gedicht zu schreiben: Eine Einstellung, die nicht nach Spuren ruftIch habe Angst vor dem armen alten Max, der, von seinem Dolly getrennt, in tiefste Melancholie gehüllt ist. Als sie seinen Kranich wegnahmen, dachte ich, er würde nie wieder lächeln. 15. “Wege des Ruhms(1957) Regisseur: Stanley Kubrick DP: Georg Kraus Dieses frühe Beispiel von Kubrick ist weder sein längstes noch sein komplexestes, aber es zeigt auf brillante Weise, wie lange es dauern kann, um das Geschichtenerzählen zu stärken, anstatt Sie davon zu befreien. Die Kamera gleitet mühelos, während der General, der von Herablassung durchnässt, dankbaren, zum Scheitern verurteilten Truppen seine „moralfördernden“ Worte überbringt, bis wir gegen eine Nahaufnahme des schockierten, stillen Mannes stoßen, der nicht aus demselben Drehbuch liest. und die Heuchelei wird plötzlich bloßgelegt. (Natürlich hätten wir die Eröffnung von “Ein Uhrwerk Orange'Oder die Schüsse nach Danny auf seinem Dreirad in'Das Leuchten”Oder eine von mehreren2001‘Etc.)
14. “Das Geheimnis in ihren Augen”(2009) Regisseur: Juan José Campanella DP: Felix Monti Ein weiteres Paradebeispiel für eine lange Einstellung (sie dauert 5 Minuten), die auf Story-Ebene durchaus gerechtfertigt ist. Dies ist eine absolut mutige Sequenz des unterhaltsamen Oscar-Gewinners für den besten ausländischen Film 2009. Gegründet von einem weiten 'Hubschrauber' -Dreh eines überfüllten Fußballstadions fliegen wir in die Stadt, um unseren Helden auf der Tribüne näher zu kommen, schwimmen in die Menge hinein und aus ihr heraus, während sie ihre unmögliche Suche beginnen, bevor sie sich in eine ausgedehnte Verfolgungsjagd verwandelt was das Thema gefunden wird, dann verloren, dann wieder gefunden, bevor es mitten auf dem Fußballplatz mitten im Spiel in einem keuchenden Haufen landet. Völlig außer Atem, aufregendes Filmemachen, das so eindringlich ist, dass Sie sich selbst verlieren innerhalb es.
13. “Schlangenaugen(1998) Regisseur: Brian de Palma DP: Stephen H. Burum

Werfen Sie einen Dartpfeil auf einen Film von de Palma, und es besteht die Möglichkeit, dass Sie sich mitten in einer langen Szene befinden - die Filmografie des Regisseurs ist schlecht mit ihnen und die gelegentlich zweifelhafte Qualität der umliegenden Filme (naja, wir lieben ihn wirklich, hier ist etwas unsere retrospektive) bedeutet, dass sie manchmal nicht aus den besten gründen auffallen. Und es gibt keine, die dieses Paradoxon (interessante Einstellung; unterdurchschnittlicher Film) mehr veranschaulicht als diese 12-minütige Sequenz von terminally albern Nic Cage Thriller 'Schlangenaugen, ”(Was, ja, hat Schnitte in Peitschenpfannen versteckt und was nicht, aber der Effekt ist immer noch ziemlich nahtlos). Außer vielleicht am Anfang von „Lagerfeuer der EitelkeitenAber wir haben getrunken, um diesen Film zu vergessen.



12. “Der Beschützer'(Aka'Kriegskönig'Aka'Tom Yum Goong“) (2005) Regisseur: Prachya Pinkaew DP: Nattawut Kittikhun 'Where’s my ELEPHANT 'allowfullscreen =' true '> 11. “Schwere(2013) Regisseur: Alfonso Quartz DP: Emmanuel Lubezki Der jüngste Eintrag auf unserer Liste ist auch einer der längsten: die 17-minütige Sequenz, die den Multi-Oscar-Gewinner auf solch unvergessliche Weise startet. Bei Regisseuren, die häufig längere Einstellungen als Anfangs- oder Endeinstellung verwenden (wobei der Rhythmus des Films auf diese Weise weniger gestört wird), kann dies als eine der brillantesten „Establishment-Einstellungen“ aller Zeiten gelten: Ich meine, wie tut man evoziert ein Gefühl von Geographie, wo es keine Geographie gibt? Diese atemberaubende Einstellung wiegt uns in ein Gefühl der schwerelosen Sicherheit, bevor sie diesen Komfort erschüttert. Sie hat nur einen Nachteil: Menschen können tatsächlich keine 17 Minuten ohne Atmung laufen. Die letzten 3m20s dieser Sequenz sind unten:
10. “Das Opfer(1986) Regisseur: Andrei Tarkovsky DP: Sven Nyqvist Es gibt keine Liste auf der Welt, die Tarkovskys Schrotherstellung gerecht werden könnte (siehe die brennende Scheune inSpiegel'Oder die Traumsequenz in'Stalker'Oder die hypnotische Fahrszene in'Solaris'Oder alle'Andrei Rublev”Etc etc). Also werden wir mit dieser Szene aus dem gehen Bergman-verschuldet (gedreht in Gotland von Bergman-Mitarbeiter Nyqvist) 'The Sacrifice', Tarkovskys letzter Film. Diese 6-minütige Einstellung ist eigentlich seine zweitlängste (die erste befindet sich am Anfang dieses Films), erforderte jedoch den Wiederaufbau des Hauses, nachdem die Kamera zum Stillstand gekommen war. Wir sind uns immer noch nicht sicher, ob wir verstehen, wie er es schafft, das lächerliche, Benny-Hill-artige Langstreckenrennen mit solch tragischer, schmerzhafter Stimmung zu durchdringen, aber dann könnten wir unser Leben damit verbringen, Tarkovskys Fähigkeiten zu entschlüsseln. Und wahrscheinlich wird.
9. “Magnolie(1999) Regisseur: Paul Thomas Anderson DP: Robert Elswit Wie in diesem Video zur Dekonstruktion der Verwendung von PTA-Steadicams deutlich herausgestellt, gibt es keinen Film von ihm, in dem wir kein Beispiel für die lange Kamerafahrt finden könnten. Aber wir plumpsen für 'Magnolia', selbst bei den beiden spektakulären 'Boogie Nights' -Beispielen, weil sie so großartig sind (und die weniger bekannte aus 'Boogie Nights').Harte Acht') Sind, fühlen sie sich ihren Einflüssen, insbesondere Scorsese, sehr verpflichtet und es ist wirklich' Magnolia ', das sich anfühlt, als würde es ganz sein eigenes Ding machen. Die Fließfähigkeit dieser wissbegierigen, unruhigen Einstellung bestimmt zwar Charakter und Ort, handelt aber hauptsächlich von der Verkapselung eines Films, in dem es um labyrinthische Beziehungen zwischen Menschen geht, die um die Verbindung kämpfen, aber immer nur vorübergehen.
8. “Hauch des Bösen(1958) Regisseur: Orson Welles DP: Russell Metty Die im wahrsten Sinne des Wortes tickende Zeitbombe von Welles 'Auftakt zu seinem Charlton Heston-Star ist so gut wie kein anderer Grund für eine längere Einstellung Winkelkranichschuss, der Heston aufnimmt, ihn dann verliert und ihn dann aufnimmt, während sein Weg mit dem des zum Scheitern verurteilten Autos verwoben ist. Es ist eine wahnsinnig komplexe Einstellung, die Welles natürlich so mühelos aussehen lässt, als würde er von einem Baumstamm fallen, obwohl ein Anblick anmutiger, bevor er in einem Kuss gipfelt, der auch eine Explosion ist. Es ist eine erstaunliche, unvergleichliche Symbiose von Form und Inhalt.
7. 'Wochenende(1967) Regisseur: Jean-Luc Godard DP: Raoul Coutard

Einer aus einer Reihe perfekt in sich geschlossener Momente, die Godards experimentelle schwarze Komödie thingummajig charakterisieren (in der Tat würden wir vorschlagen, dass der Film verständlicher und mit Sicherheit besser zu sehen ist, wenn er als Sammlung von Vignetten und nicht als zusammenhängendes Feature betrachtet wird) Der 7 Minuten lange Stau ist wahrscheinlich die berühmteste Einstellung des Regisseurs. Nicht besonders komplex in Bezug auf die Kameraarbeit (es ist nur eine lange seitliche Strecke), da sie der Reihe der Autos folgt, die wir mit diesen kleinen voyeuristischen Blicken auf das Leben der Insassen erhalten, manchmal komisch, manchmal merkwürdig, und es ist alles sehr tatsächlich. Esque und charmant. Bis die Karosserien und der Reifen durch das Blut laufen.



Jude Law Wunder
6. 'Oldboy”(2003) Regisseur: Park Chan-Wook DP: Chung Chung-Hoon Und von einer klassischen Querstrecke zu einer moderneren Version - Park's gewalttätiger Original 'Oldboy' strotzt nur so vor Stil, aber dieser Korridor-Kampf fühlte sich wirklich wie etwas an, was wir noch nie zuvor gesehen hatten. Die Choreografie und das Bühnenbild (und die erstaunliche Lichttechnik, um die Dinge verständlich zu machen, aber auch die Schönheit des Helldunkels wie bei einem Caravaggio) sind komplexer als die einfache Bewegung der Kamera von einer Seite zur anderen bleibe für immer einfach eines der coolsten Dinge, die wir jemals in einem Kino gesehen haben.
5. „Ich bin Kuba”(1964) Regisseur: Mikhail Kalatozov DP: Sergey Urusevsky Ohne Zweifel einer der schönsten Filme, die jemals gedreht wurden, ist es erstaunlich, dass 'I Am Cuba' nach der negativen Reaktion auf seine Erstveröffentlichung in der Sowjetunion und in Kuba so lange vernachlässigt wurde. Es bedurfte tapferer Bemühungen von Filmschützern wie Martin Scorsese um es wieder zu seinem früheren Glanz zu bringen, der durch mehrere hypnotisierende lange Dauern gekennzeichnet ist, insbesondere eine, die unter Wasser in einem Hotelpool endet. Aber wir haben uns dafür entschieden, diese Einstellung zu präsentieren, die man mit der Technologie der Zeit für unmöglich gehalten hätte, in der ein Protestmarsch zu einem Trauerzug wird und wir hoch über den Straßen Gebäude betreten und verlassen.
4. 'Der Spieler(1992) Regisseur: Robert Altman DP: Jean Lepine Aufmachung Welles'S'Hauch des Bösen'Weiter unten auf dieser Liste als in der von Altman gelenkten langen Fassung, die buchstäblich darauf hinweist, dass es ein bisschen sakrilegisch wirkt, aber hey, wir sind Bilderstürmer. Außerdem ist diese Einstellung nur eine absolute Wucht, ein witziger Einblick in die Arbeitsweise eines Filmstudios in einem Film über das Filmemachen, in dem jeder in der Filmindustrie arbeitet und jeder nur über Filme spricht. In dieser Hinsicht ist es ein bisschen wie bei Playlist Towers, nur dass alle besser aussehen und es sonnig ist. Während das Meta, Sieh mich an! Die Art der extrem langen Einstellungen ist manchmal ein Problem. Dieser Film dient einem extrem Metafilm und wird daher mit Freude aufgenommen.
3. “Der Passagier(1975) Regisseur: Michelangelo Antonioni DP: Luciano Tovoli Viele dieser Aufnahmen enthalten ein 'Wie haben sie das gemacht?' Allowfullscreen = 'true'> 2. 'Goodfellas(1990) Regisseur: Martin Scorsese DP: Michael Ballhaus Gut. Wir könnten einen Roman über diese Einstellung schreiben und darüber, was sie darstellt und was sie seitdem beeinflusst hat, aber in Wirklichkeit ist es nur ein Beispiel für eine so perfekte Langzeitaufnahme, wie es sie im Film jemals gegeben hat. Es erzählt uns so viel über die Charaktere und ihre Beziehung, es schafft so viel von einer Welt und einer Stimmung, und es macht das alles so stilvoll und mit einer solchen Fluidität und Dynamik, dass es sich sicherlich millionenfach geprobt anfühlen sollte. Und doch das wahre Genie dieses Schusses (und warum es auf dieser Liste so hoch steht, wenn “Wilder Stier”Hat auch tolle Beispiele, ebenso wie der späte Einstieg“ TDer Wolf der Wall StreetIst, dass es sich anfühlt natürlich -Die Komplexität des Schusses beeinträchtigt niemals seine Vitalität. Im Vergleich zu anderen, beeindruckenden, aber stattlicheren Einstellungen (von denen wir einige hier schon erwähnt haben) ist dies ein beispielloses Beispiel für virtuoses Filmemachen, dessen technische Virtuosität sich als das Letzte anfühlt, woran man denkt.
1. “Kinder von Männern”(2006) Regisseur: Alfonso Quartz DP: Emmanuel Lubezki Und hier sind wir und brechen unsere Richtlinie für Einzeleintritte pro Direktor, nicht für Tarkovsky oder Kubrick oder PTA oder Scorsese, aber für Bester Regisseur Oscar-Preisträger Alfonso Cuarón. Aber es gibt kein Entrinnen von der unbeschreiblichen Erstaunlichkeit dieser Szene, die bekanntermaßen Tage für Dreharbeiten und den Bau neuer Bohrinseln benötigte und von der Cuarón zu einem bestimmten Zeitpunkt überzeugt war, dass sie nicht durch Blutspritzer auf dem Kameraobjektiv beschädigt worden war. Aber so viel wie die technischen Höhen, die es skaliert, nicht unterschätzt werden kann („Schwere„Immerhin war es enorm komplex, aber irgendwie kontrollierbarer als diese Einstellung mit all ihren Variablen von Fahrzeugen, Charakteren, Performance, Timing usw.). Am beeindruckendsten ist für uns die Tatsache, dass es sich bei dieser Szene um eine handelt, bei der es sich um eine erste oder zweite Auszeit handelt. Wir haben uns nicht einmal als One-Take-Wonder registriert. Englisch: www.mjfriendship.de/en/index.php?op...=view&id=167 Wir waren in der Geschichte so vertieft, dass das Handwerk immer nur völlig unbewusst auf uns wirkte (im Gegensatz zum anderen fantastischen, emotionalen Long Shot von Clive Owen mit dem Baby durch das zerstörte Krankenhaus gehen, dessen Länge und Anmut wir aktiv wahrgenommen haben). Diese lange Einstellung, die so viele lange Einstellungsregeln bricht (wie zum Beispiel, dass der wirklich schockierende Moment nicht am Ende, sondern in der Mitte stattfindet), ist für uns einfach das beste Beispiel für meisterhaftes, vollendetes Filmemachen, das in den Dienst des Himmels gestellt wird dramatische Einsätze.

Bemerkenswert an ihrer Abwesenheit sind ein paar schnörkellose Filme, die wir ausgeschlossen haben, weil sie fast das Gefühl haben, eine andere Agenda zu haben. Also “;Russische Arche”; Das ist natürlich alles, was man braucht, Hitchcock’; s “;Seil, ”; die zusammengenäht ist, um den Eindruck zu erwecken, dass es noch länger dauert, als sie tatsächlich waren, Mike Figgis’; “;Timecode, ”; mit seiner Echtzeit-Split-Screen dauert und lange Michael Snow ’;s “;Wellenlänge”; Das ist ein Experiment in langen Takes, erscheinen nicht, aber sind alle lehrreich für Anhänger dieser Art von Dingen.



Und es gibt einige, die gerade den Schnitt verpasst haben: die Einführung des Schiffes und seiner Bewohner in Joss Whedon’; s “;Gelassenheit”; ist ein großartiges Beispiel dafür, wie man Geographie und Charakter mit Witz und Sparsamkeit etabliert. Tarantino’; s Reise um das Teehaus in “;Töte Bill Vol 1”; ist eine lustige Fahrt; Gus Van Sant’; s “;Elefant”; und “;Letzten Tage”; beide enthalten mehrere sehr lange Takes (manche könnten es versuchen); ebenso wie Robert Siodmak’; s “;Die Mörder. ”; Hitchcock-Beispiele von “;Raserei”; und “;Jung und unschuldig, ”; das erste-person-intro von Kathryn Bigelow’; s “;Seltsame Tage”; und das anfängliche Intro über die Reise durch die Galaxis zu “;Kontakt”; wurden auch alle in Betracht gezogen, während lange Takes eher statisch sind, wie jene, die die Arbeit von charakterisieren Michael Haneke oder Steve McQueen’; s zusammen mit sehr langen Einstellungen, bei denen es mehr um Dialoge oder Monologe geht als um Action oder Kamera-Hi-Jinks wie in Linklater ’;s “;Vor”; Trilogie oder Ein-Mann-Shows wie “;Bronson”; Wir sparen auch für einen anderen Tag.

Aber lassen Sie uns unten den Favoriten von Ihnen wissen, den wir verpasst haben, oder wie Sie das Gleichgewicht zwischen Form und Inhalt in der Filmkritik finden.



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