Schuld und Schutt: 15 wichtige Nachkriegsfilme

Diese Woche, 'Phönix, ' Christian PetzoldDie noirische Untersuchung von Identität, Loyalität und Schuld im unmittelbaren Nachkriegsdeutschland kommt in die Kinos (unsere begeisterte Rezension vom Toronto International Film Festival des letzten Jahres finden Sie hier). Es ist eine berauschende, wunderschön geschossene und zutiefst mysteriöse Geschichte, aber vielleicht geht es vor allem um die Unkenntnis des Herzens einer Person und die Täuschung des Aussehens. Angesichts der faszinierenden Kulisse und Epoche des Films sind dies besonders wichtige Themen: In diesem bewegten Umfeld werden Menschen zu mehr als Charakteren in zwischenmenschlichen Dramen - sie werden zu Metaphern für Deutschlands Schuld, Scham oder Ressentiments über die jüngste NS-Vergangenheit oder Symbole des Begehrens einfach vergessen.



Für alle, die sich für die Punkte interessieren, an denen sich die Geschichte des Films unwiderruflich mit der Weltgeschichte überschneidet, markiert der Zweite Weltkrieg eine abrupte Zäsur, einen Vorher-Nachher-Moment, der die Welt grundlegend verändert, sowie das Kino. Die Filme über und über den Krieg selbst sind eine Kategorie für sich, aber die Filme, die kurz nach 1945 entstanden sind oder sich mit dieser unmittelbaren Nachkriegszeit befassen, sind vielleicht noch vitaler und faszinierender. Die Gewissheit, dass Krieg geführt wird, und die Kämpfe um Leben und Tod, die alle anderen Überlegungen in den Schatten stellen, sind dahin. Hier ist stattdessen der lange, lange Kater des kostspieligsten Konflikts in der Geschichte der Menschheit und die plötzliche schreckliche Erkenntnis, dass jeder mit seiner eigenen Rolle rechnen musste, als sich der Staub legte, egal auf welcher Seite er gewesen war oder wie auch immer viel hatten sie gekämpft oder verloren.

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Es war eine Zeit, in der einige der wichtigsten und einflussreichsten Kinobewegungen des 20. Jahrhunderts entstanden und in der einige der größten Regisseure aller Zeiten außergewöhnliche Werke produzierten. Um also die Veröffentlichung von 'Phoenix' zu feiern und dem Film in Bezug auf die Zeitspanne (die Jahre kurz nach 1945, bevor der Kalte Krieg wirklich begonnen hatte, Fuß zu fassen) und in Bezug auf die Erfahrungen von Ländern auf der ganzen Welt zu folgen Verliererseite - Deutschland, Italien, Österreich, Japan - wir haben diese Auswahl an verwandten Filmen zusammengestellt. Unter den vielen, vielen weiteren, gibt es 15 Filme, die sich offen oder stillschweigend mit dem Erbe von Schuld und Zerstörung befassen, das unmittelbar nach dem verheerendsten Krieg in der Geschichte der Menschheit hinterlassen wurde.



“; Die Ehe von Maria Braun ”; (1979)
Das Auffinden eines seiner klassischsten und zugänglichsten Melodramen in den Nachkriegsjahren (tatsächlich drei davon: 'Maria Braun' war das erste in einer thematischen Trilogie von Filmen in der neuen Bundesrepublik Deutschland, die Deutschland als begehrenswerte, aber moralisch mehrdeutige Frau betrachteten (sowohl Manipulator als auch Manipulat), Rainer Werner Fassbinder fand in diesem Film eine perfekte Verschmelzung von schäbigem Inhalt, grellem Stil und verzweifelter, dramatischer Kulisse. In den zerstörten Gebäuden und schmuddeligen Zugabteilen, in denen Maria (Hanna Schygulla) Preens und Schmollmund in Hüten und Fersen und scharlachroten Lippenstift. Es ist die verdrehte Geschichte einer Berlinerin, die ihren Ehemann eines Soldaten schließlich für tot erklärt und eine Reihe von Angelegenheiten in Angriff nimmt, für die das Versprechen von gutem Essen, feiner Kleidung, Geld und Sex eine offensichtliche, nicht entschuldigende Rechtfertigung ist. Als ihre Geliebte schließlich lebend zurückkehrt und für sie ins Gefängnis kommt, setzt sie dieses leere Verhalten fort, um ein Leben für sie beide aufzubauen, nur damit er einen geheimen Vertrag mit ihrer derzeitigen Geliebten abschließt, der sie getrennt hält noch länger. Der Film war ein äußerst problematisches Drehbuch und trägt wie alle Arbeiten von Fassbinder die Handschrift intensiver (auf Kokain basierender) Eile: wenig Berichterstattung; ein amateur-dramatisches Gefühl für die Schauspielerei; ein künstlicher, manchmal klebriger Glanz in den Bildern. Aber es platzt auch vor erfinderischem Filmemachen und Kommentaren: über den verzerrten deutschen Nachkriegsgeist, in dem jede Interaktion nur Transaktion ist; über die Unzuverlässigkeit des Verhaltens als Indikator des Gefühls; und auf die Unmöglichkeit des Glücks in einer solchen Atmosphäre der moralischen Katastrophe. Selbst wenn die Energie synthetisch und chemisch induziert ist, kann die unberechenbare, spritzige Größe von „Maria Braun“ nicht geleugnet werden. es würde zu einem der grundlegenden Evangelientexte des neuen deutschen Kinos werden.

“; Ich lebe in Angst ”; (1955)
Eingeklemmt zwischen Klassikern wie “;Sieben Samurai”; und “;Thron aus Blut, ”; es ist nicht schwer zu verstehen, warum Akira Kurosawa’; s “; Ich lebe in Angst ”; wird unterschätzt und unterschätzt. Und vergleichsweise kann es das am wenigsten aktive “; Nachkriegs- ”; Drama auf dieser Liste, aber von allen Filmen der Nachkriegszeit von Kurosawa, machen seine Ängste des Atomzeitalters es am direktesten mit dem Thema verbunden. Der Film spielt im Gefolge von Hiroshima und dreht sich um einen Vermittler vor einem Familiengericht, als er auf einen äußerst merkwürdigen, dramatischen Fall stößt: eine Familie, die versucht, ihren reichen Patriarchen für geistig inkompetent zu erklären, weil der ältere Doyen tiefe Täuschung und Paranoia in Bezug auf Atomkrieg beherbergt. Der Vater, Kiichi Nakajima (der Große Toshiro Mifune), hat Millionen ausgegeben, um ihre Operationen nach Nordjapan zu verlegen und Unterstände zu bauen, aber noch schlimmer, Kiichi hat eine größere Besessenheit: einen Plan, um die ganze Familie (plus seine Geliebten und alle daraus resultierenden unehelichen Kinder!) und Geschäfte zu verlegen Brasilien verschwendet zweifellos sein gesamtes Familienvermögen in dieser Anstrengung. In Kurosawas Film wird dann der elende, unausgeglichene Geisteszustand des Vaters sowie des verbitterten Clans aufgezeichnet, von denen einige aufrichtig an derselben Krankheit (und der demütigenden Verlegenheit der Niederlage Japans) leiden, die ihren Vater verfolgt, während andere sie verfolgen opportunistisch besorgt über ihren Schnitt, während der mitfühlende Juror nüchtern über dieses schwierige Dilemma nachdenkt, das auf seinen Schultern lastet. Das zurückhaltende aber traurige “; ich lebe in der Furcht ”; ist also eine sanfte, aber spitze kleine Tragödie, die von einer schmerzhaften, zurückhaltenden Melancholie erfüllt ist, da sie leise den unsichtbaren und noch verstörenderen Fallout des Kriegsendes nachzeichnet. die kulturelle Angst und der Schrecken, im unruhigen Schatten der Bombe zu leben.

'Europa' (1991)
Vorher gab esnymphoman, ”Vor Dogme und vor Cannes Skandale, in denen er darüber scherzte, ein Nazi zu sein, Lars Von Trier machte 'Europa' (veröffentlicht als 'Zentropa' in den USA, aber jetzt allgemeiner unter dem Originaltitel bekannt). Der letzte Film in einer thematischen Trilogie, die sich alle mehr oder weniger halluzinatorisch und metaphorisch mit der Verwüstung des Nachkriegseuropas befasst, ist „Europa“ in dieser Hinsicht der aktuellste und beschreibt einen idealistischen, pazifistischen Amerikaner (Jean-Marc Barr) unmittelbar nach dem Krieg nach Deutschland kommen, um eine Stellung als Nachtwache bei der Eisenbahn einzunehmen. Schnell in einen Sumpf widersprüchlicher politischer Einflüsse verwickelt, verliebt er sich in die Tochter (Barbara Sukowa) des Eisenbahnbesitzers / Industriellen, dessen eigene Hände möglicherweise nicht frei von nationalsozialistischem Engagement sind, während er gleichzeitig ein unwissender Bauer im Schachspiel der korrupten alliierten Besatzer und Partisanendeutschen ist, die als 'Werwölfe' bekannt sind, die sich der Besatzung widersetzen. Auffallend einfarbig und mit Technicolor-Effekten (die erstaunliche Unterwasseraufnahme von rotem Blut, das in ein Bad tropft, ist eindrucksvoller als alle „Sin City ”) ist der Film dem Film noir und von dort den erhöhten Kulissen und dem harten direktionalen Licht des deutschen Expressionismus stark verpflichtet. Und weil es Von Trier ist, ist es ein zutiefst pessimistischer Film, der sich mit einer Art Selbstverachtung überschlägt, wenn er sein vernichtendstes Urteil nicht den Alliierten oder den Nationalsozialisten, sondern den Menschen, die sich nie für eine Seite entschieden haben, vorenthält. Dies ist die Nachkriegszeit, die als Nachapokalypse gedacht ist, ein dummer Ort, an dem die jüngste Vergangenheit so unausweichlich ist, dass sie die Gegenwart durchdringt, um die Idee einer Zukunft zu ersticken. Überraschenderweise blüht einer der erfolgreichsten Filme des Jahres auf, die aus der zweiten Person stammende Off-Stimme Max Von Sydowwurde nur für die internationale Veröffentlichung hinzugefügt, aber sein Countdown-Motiv ist angemessen: In „Europa“ steht die Zeit immer kurz vor dem Aus und die Zukunft ist ein entgegenkommender schwarzer Tunnel, aus dem wir möglicherweise niemals hervorgehen werden.

'Hiroshima, Mon Amour' (1959)
Einer der schönsten und emotional lebendigsten Filme, die je gedreht wurden. Alain Resnais'Hiroshima, Mon Amour' ist ein außergewöhnliches Kunstwerk, das die psychologischen Narben des Krieges lokalisiert, der gerade in der Beziehung zwischen einer Französin und einem Japaner endete. Entfaltung durch atemberaubend eindrucksvolle Bilder (glitzernde Asche fällt auf nackte verschlungene Gliedmaßen, drohende Gebäude, japanische Neonschilder, Emmanuelle RivaHaare, Eiji OkadaGesicht), erzählt der Film in einer Reihe von Gesprächen zwischen den beiden, meist erzählt sie von ihren fragmentarischen Erinnerungen, nur um häufig von ihm widersprochen zu werden. Es ist unbestreitbar ein Bogen, eine selbstbewusste experimentelle Konstruktion eines Films, aber es rast vorbei mit der Logik nicht eines Traumes, sondern einer Erinnerung, an der Sie festhalten möchten, auch wenn der Akt der Erinnerung Ihnen Schmerzen bereiten könnte. und könnte begrabene Schande ausgraben. In manchen Momenten kann die manipulierte, selbstbeteiligte Atmosphäre des poetischen Melodramas fast zu viel und zu überwältigend für den Realismus des Films erscheinen, außer für Resnais, der daran arbeitet Marguerite Duras„Komplexes, nachsichtiges Drehbuch, das sich immer wieder vom Rande des Überlaufs zurückzieht und viele dieser fast absurd erhöhten Wechselkurse gegen sich wirft Sacha ViernyEs ist reichhaltig, aber täuschend einfach, und gelegentlich werden sogar Dokumentarfilme der Überlebenden der Atombombe verwendet, um uns zurück in die Unmittelbarkeit zu bringen. Dies ist Kino als Trunkenheit, betrunken von Schuld und Leidenschaft (der Film beschäftigt sich verzweifelt mit der Torheit der verdammten Liebe) und voller Herzschmerz für alle Dinge, die Bombe und Krieg, getötet oder verstümmelt. Hier scheint die Nachkriegszeit so viel drückender zu sein nicht Es geht um Leben und Tod, aber um die Tragödie des Überlebens. Es wird ein Gedicht und ein Klagelied für diejenigen, die gelebt haben, und die Schuld eines endemischen Überlebenden, die eine ganze Generation erlebt hat.

“; Deutschlandjahr Null ”; (1948)
Nur zwei Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs vor Ort in Deutschland gedreht, Roberto Rossellini’; Nachkriegsdrama “; Deutschlandjahr Null ”; Das letzte Kapitel seiner Kriegstrilogie ist nicht nur ein verheerendes neorealistisches Meisterwerk, es ist vielleicht der größte Nachkriegsfilm, der jemals erzählt wurde. In einem ausgebombten, praktisch postapokalyptischen Berlin kämpfen alle Familien ums Überleben. Das Bild des italienischen Regisseurs, in dem alle nichtprofessionellen Schauspieler zu sehen sind, konzentriert sich auf eine Familie, die unter den trostlosesten Bedingungen zu leiden hat: die Familie Kohler, die trotz begrenzter Rationen im Drama versunken ist und an Elektrizität, Wärme und fehlenden Grundlagen leidet. Der unterernährte Vater leidet unter einer schweren, bettlägerigen Belastung, die Schwester hat sich der Prostitution zugewandt, und der älteste Sohn, ein ehemaliger Soldat, der zum Feigling geworden ist, befürchtet, dass er wegen Kämpfen bis zum bitteren Ende inhaftiert wird, und ist nicht bereit, sich für seine Lebensmittelkarte anzumelden, um zu helfen Füttere die leidende Familie. Die Wohnungsbehörde zwingt sie, in der Wohnung einer anderen, wohlhabenderen Familie zu leben, die sich über ihre Anwesenheit ärgert. Die Last liegt also bei dem jüngsten Familienmitglied, Edmund (Edmund Meschke), ein zwölfjähriger Junge, der gezwungen wurde, Gräber auszuheben und für zusätzliches Geld jegliche Kleinarbeit aufzukratzen. Während Edmund auf der Suche nach Arbeit durch die Straßen streift, stößt er auf junge, diebische Teenager und seinen abscheulichen, vage pädophilen Ex-Lehrer, der das Kind ausbeutet, um faschistische Propaganda an Besatzungssoldaten zu verkaufen, und seinen Kopf mit Verlogenheiten füllt, die auf Hitlers Verdrehungen beruhen Philosophien über die Schwachen. “; Deutschlandjahr Null ”; Es folgt nicht nur dem langsamen Niedergang der Familie Kohler, sondern auch dem Zerfall von Edmunds moralischen Werten und seinem ergreifenden Verlust der Unschuld, da er unter dem Einfluss des widerwärtigen Nazi-Sympathisanten auf einen äußerst herzzerreißenden Weg geführt wird. Eine schreckliche Tragödie und eine abschreckende Erinnerung an den Schaden, den der Faschismus für viele nachfolgende Generationen angerichtet hat. Auch sein stillschweigendes Mitgefühl für das in der Folge lebende deutsche Volk macht ihn zu einem unvergesslichen Werk des aufragenden Humanismus.

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'Zehn Sekunden zur Hölle' (1959)
'Der verletzte Spind'Für die Nachkriegsgeneration, Robert Aldrich'Ten Seconds to Hell' (Zehn Sekunden bis zur Hölle) ist ein seltsames Downbeat-Bild, das jedoch Strecken enthält, die so angespannt und mitreißend sind wie jeder Thriller. Durch die Kombination vieler Elemente des besonderen Stils des unterschätzten Regisseurs wird sogar sein berühmtester Titel „Das schmutzige Dutzend„Im Bau, in dem die widerwillig heldenhaften Taten einer Gruppe von Ausgestoßenen dargestellt werden, hat ein Außenseiter die Aufgabe, die nicht explodierten Geräte, die unmittelbar nach dem Krieg auf den Straßen Berlins verstreut sind, zu retten. Hier handelt es sich jedoch um Ausgestoßene der deutschen Armee, denen die alliierten Besatzungsmächte zumindest teilweise vertrauen, weil sie von ihren deutschen Armeevorgesetzten so wenig gemocht wurden, dass sie das undankbare, wahrscheinlich selbstmordgefährdete Detail der Bombenentsorgung erhielten. Und sie sind alles andere als einheitlich, werden von gemeinsamen Interessen lose zusammengehalten, haben aber jeweils sehr unterschiedliche Beweggründe, eine solch gefährliche Aufgabe zu übernehmen. Ihr natürlicher Anführer (gespielt von Jack Palanceist ein brillanter Bombenexperte, stößt jedoch in Krieg und Liebe mit seinem höflichen Stellvertreter zusammen, wenn beide sich in dieselbe Frau verlieben. Wie so oft bei Aldrich kommt der Film dem B-Movie-Status nahe und ist im Mikro weitaus eindrucksvoller als im Makro seiner Handlung: Die Liebesgeschichte greift nie ein, zu viele der Nebencharaktere sind undifferenziertes Kanonenfutter, und die Höhere Einsätze der Außenwelt und der Politik gehen manchmal inmitten des kollidierenden männlichen Egos der Truppe verloren. Aber einzelne Szenen singen wirklich, besonders die zurückhaltenden, fast Bressonieine Präzision der Bombenentsorgungssequenzen, die vor Ort in Berlin aufgenommen wurden, um zusätzliche Authentizität zu erzielen, bei der das Geschäft mit Zündstiften und Detonatoren und die Notwendigkeit einer ruhigen Hand des Chirurgen mit prozeduraler Faszination umgesetzt werden und Sie auf Ihrem Platz festhalten.

“; Der Dritte Mann ”; (1949)
Bringen Sie eine eher britische Sensibilität und ein europäisches Flair in das sehr amerikanische Film-Noir-Genre, “; The Third Man ”; Er gilt als einer der ganz Großen (das BFI nannte ihn 1999 den größten britischen Film aller Zeiten), muss aber zu dieser Zeit noch atemberaubender gewesen sein, als er als einer der ersten Filme den dunklen Unterbauch der alliierten Realität betrachtete. Europa leiten. Direkt für den Bildschirm geschrieben von “;Brighton Rock”; Autor Graham Greene (wer es bald darauf in eine Novelle verwandelt hat), es spielt die Hauptrolle Joseph Cotten als Holly Martins, eine amerikanische Pulp-Western-Autorin, die auf der Suche nach dem alten Kumpel Harry Lime nach Wien kommt (Orson Welles), nur um zu erfahren, dass sein Freund tot ist. Natürlich ist dies nur der Beginn einer der großartigen Film-Thriller-Handlungen, die zu einer Wendung führen, die selbst angesichts der Anwesenheit des bekanntesten Schauspielers auf den Plakaten, die Welles in einem unauslöschlichen Kinoeingang enthüllte, immer noch überrascht als Kalk. Es ist verdammt nahe an einem perfekten Film auf jeder Ebene, dank Carol Reed’; s fettfreie, präzise Richtung, die wunderschöne Fotografie von Robert Krasker (den holländischen Winkel virtuell erfinden), und die ikonische Kerbe durch Anton Karas, die ein großer Hit wurde. Aber so unvergesslich Welles ist, als einer der kultigsten und komplexesten Bösewichte aller Zeiten ist er von Wien selbst beinahe in den Schatten gestellt, so wie Reed eine ganz bestimmte Zeit in der Geschichte der Stadt einfängt, da sie in zwei Teile geteilt ist die Alliierten und wird zu einer Brutstätte und zu einem Magneten für jeden soziopathischen Opportunisten wie Lime. Der Film ist auf eindringliche Weise festgehalten und behandelt die Auswirkungen des Krieges im Text nur lose, aber die Aktion, die sich sowohl gegen die erstaunliche Architektur der alten Geschichte als auch gegen die Trümmer der jüngeren Zeit richtet, ist eine Meisterleistung darin, Ihren Film noch reicher zu machen die genau richtige einstellung.

“; Der Leser ”; (2008)
Das Einstellen eines Films in der Nachkriegszeit hat zu einer Reihe von Klassikern einiger der größten Filmemacher geführt, die jemals in diesem Medium gearbeitet haben. Es führte auch zu Stephen Daldry’; s “; The Reader. ”; Harvey Weinstein hatte versucht, einen Film zu machen Bernhard Schlink’; s semi-autobiografischer Roman für fast ein Jahrzehnt, und endlich sein glänzendes Team mit Schriftsteller zu finden David Hare, Regisseur Stephen Daldry und Produzenten Anthony Minghella und Sydney Pollack (beide verstarben vor der Veröffentlichung), plus Sterne Kate Winslet und Ralph Fiennes. Hauptsächlich in Deutschland in den 1950er und 1960er Jahren angesiedelt, dreht es sich um Michael (David Kross als junger Mann, Fiennes als Älterer), der als Fünfzehnjähriger eine Affäre mit einer älteren Frau hat, Hanna (Winslet). Jahre später nimmt er als Jurastudent an einem Prozess gegen eine Frau teil, die eines Kriegsverbrechens als SS-Offizier angeklagt ist, und ist schockiert, als er feststellt, dass Hanna eine der Angeklagten ist könnte ihrer Verteidigung helfen (ein Geheimnis, das aus dem Titel auf spektakuläre Weise hervorgeht: Sie ist Analphabetin). Der Versuch bestand vermutlich darin, Hannas Analphabetismus zu einer Metapher für die Unfähigkeit zu machen, sich mit den Realitäten des Holocaust auseinanderzusetzen, aber er wurde auf eine erstaunlich falsche Art und Weise ausgeführt: manchmal schien er zu versuchen, ihre Handlungen zu entschuldigen und es nicht zu offenbaren viel über die Natur des Nazibösen, banal oder auf andere Weise. Abgesehen von der moralischen Zweifelhaftigkeit ist es auch dramatisch prall gefilmt für einen Film, der die Talente beider nutzt Chris Menges und Roger Deakinsund Winslet beiseite, handelte nicht einmal merkwürdigerweise. Trotzdem hat es das getan, was es zu tun gedachte, womit wir meinen, es hat Winslet einen Oscar gewonnen und dem Film eine Nominierung für das beste Bild eingebracht, obwohl es nur wenige wertvolle Erkenntnisse über die kollektive Schuld und Schande der Nazi-Generation oder der einen gibt das folgte ihm.

“; Eine auswärtige Angelegenheit ”; (1948)
Sehr unterschätzt in der Billy Wilder canon - vielleicht weil es im selben Jahr veröffentlicht wurde wie der duff “;Kaiser Walzer,”; wurde zu der Zeit denunziert und kam kurz vor seinem außergewöhnlichen Lauf in den 1950er Jahren, beginnend mit “;Boulevard der Dämmerung”; - “; Eine auswärtige Angelegenheit ”; Dies war der erste Spielfilm, den Wilder vor 15 Jahren vor den Nazis in Europa gedreht hatte. Das soll aber nicht heißen, dass Wilder es in seinem Heimatland leichter hat: Es ist ein komplexer und beißender Genre-Bender, bei dem Wilder seine Reißzähne mit völliger Missachtung des Zwecks des Films als Propaganda zeigt. Teilweise finanziert von der Regierung, die nach einem Film suchte, der im alliierten besetzten Deutschland spielt, sieht sie Kongressabgeordnete Jean Arthur kommen, um die Truppen zu besuchen, und einen Kapitän der US-Armee (John Lund) einen Kabarettsänger aufzuspüren versuchen (Marlene DietrichIch dachte natürlich, ich wäre die Geliebte von Göring und / oder Goebbels gewesen und hätte ein Liebesdreieck entzündet. Es ist diese ganz besondere wilderische Mischung aus Tönen, aufrichtiger Romantik und tiefem Zynismus, eine Art Thriller, der in eine rom-com und ein Porträt einer Stadt gerät, die sowohl in Körper als auch in Seele wieder aufgebaut wird, und obwohl es sich anfühlt, als wäre es an einigen Stellen kompromittiert (Es war ein raues Shooting, bei dem vor allem Arthur mit fast allen zusammenstieß.) Es ist ein herrlich schickes und überraschend komplexes Bild. Sie können Wilders Zorn über die Nazis und seinen Schmerz über den Schaden spüren, der Berlin zugefügt wurde, aber das US-Militär und die Politiker sind hier ebenso das Ziel seines Zorns. Und während Arthur und Lund beide sehr gut sind - letztere haben nicht wirklich die Karriere gemacht, die er verdient hat, wenn er an der Reihe ist -, ist es passend, dass Dietrich in der ersten von zwei Kollaborationen zwischen ihr und Wilder, der wirklich glänzt, mitmacht eine schwierige Rolle, die es zum Singen bringt (buchstäblich in einer Reihe sehr einprägsamer Kabarettnummern).

“; Der Idiot ”; (1951)
Japans Rolle im Zweiten Weltkrieg (und sein Abschluss mit den Bombenanschlägen auf Nagasaki und Hiroshima) und seine sich wandelnde Natur unter amerikanischer Besatzung und darüber hinaus waren weit verbreitet Akira Kurosawa’; s Arbeit bis zum Ende seiner Karriere, aber es war in den Filmen, die unmittelbar danach entstanden sind (die von Kriterium im ‘ Nachkriegskurosawa ’; Boxset), dass er als Filmemacher enorm gewachsen ist. Zu den interessantesten gehört “; The Idiot ”; gemacht in der Folge seines internationalen Ausbruchs “;Rashomon, ”; und die einzige Chance, dass der Regisseur jemals ein Buch von seinem Lieblingsautor adaptieren konnte, Fjodor Dostojewski. Der Film, der die Geschichte des russischen Autors nach Japan nach dem Zweiten Weltkrieg auf den neuesten Stand bringt, konzentriert sich auf Kameda (Masayuki Mori), ein Veteran und ehemaliger Internierter im Kriegsgefangenenlager, der mit seinem neuen Freund Akama (Toshiro Mifunenatürlich) verliebt sich in die Geliebte eines anderen Mannes, Taeko (die bezaubernde Setsuko Hara). Kurosawa drehte Filme, die sich direkter mit der Existenz Japans nach dem Krieg auseinandersetzten, aber es ist nicht zu leugnen, dass er Kameda als ehemaligen Soldaten und Gefangenen zu einer größeren Metapher für eine Nation macht, die traumatisiert, beschämt, zerstört und schwer getroffen ist Identitätskrise. Es ist möglich, dass es an einem Punkt sogar expliziter gewesen sein könnte: Der Regisseur beabsichtigte ursprünglich, dass der Film fast fünf Stunden lang sein sollte, und zwar in zwei Teilen, aber seine Unterstützer, Shochiku, Schneiden Sie es in Fetzen und landen Sie ein wenig schüchtern von drei Stunden. Leider wurde Kurosawas ursprünglicher Schnitt nie gefunden, so dass es schwierig ist zu sagen, ob die beabsichtigte Version ein verlorenes Meisterwerk oder eine nachsichtige Torheit gewesen wäre (es gibt nur wenig von beidem im überlebenden Schnitt), aber was bleibt noch übrig zeigt, wie Kurosawa beginnt, seine Muskeln beim Filmemachen richtig zu spielen und ein großartiges Kunstwerk zu verwenden, um ein anderes zu schaffen, das so viel über die Welt aussagt, in der er lebte.

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“The Good German” (2006)
Steven SoderberghAirless-Adaption von Joseph CanonSein Roman funktioniert besser als Experiment in Bezug auf Hommage und Referenz als als Film, tatsächlich ist er auf der Ebene der stilistischen Erholung zuweilen ziemlich brillant. Aber der Unterschied zu den Filmen, auf die es verweist, ist, dass “Casablanca, ”(Was das Finale hier auf den Punkt bringt) Cate BlanchettHutkrempe) ist kein selbstbewusster Rückfall: Es war einfach die beste, unmittelbarste und kunstvollste Art, diese Geschichte mit den damals verfügbaren Werkzeugen zu erzählen. Diese Echtheit ist das, was „The Good German“ fehlt, die Klarheit und der emotionale Durchschlag der Filme, die es liebt, aber nicht kann. Stattdessen erhalten wir eine Art klinische, intellektualisierte Wiederbelebung der Techniken, die Soderbergh bewundert, bis hin zu den Dreharbeiten eines Großteils des Films auf Klangbühnen, und zwar in stattlichen, theatralischen, choreografierten Einstellungen, anstatt in dem lockeren Format, das das modernere Filmemachen zulässt. Und so scheinen seine Schauspieler oft unangenehm in diesen starren Rahmen eingebunden zu sein - George Clooney praktisch verschwindet dabei Tobey Maguire, irgendwie eher fehlbesetzt, scheint sichtlich unangenehm. Nur Blanchett scheint wirklich in diesem Register zu gedeihen - schade, dass der Film nicht mehr von ihr handelt als von den Pappmenschen. Ein noirisches Krimi mit einem Schuss internationaler Intrigen, der die Versuche der USA mit einbezieht, einen Nazikriegsverbrecher zu tünchen, um sein Know-how im Raketenbau zu nutzen. Dies sollte eine packende Reise sein. Dies ist jedoch keine Geschichte über die moralischen Schwarzen und Weißen des Krieges, sondern ein Film über die chaotischen Grautöne der Nachkriegsverwirrung. Aber dieses lebenswichtige Gefühl der Unsicherheit und des moralischen Relativismus wird unter so viel Ersatzstil erstickt.

'Urteil in Nürnberg' (1961)
Eine bemerkenswert ernsthafte, sogar anstrengende, mehr als 3 Stunden dauernde fiktive Darstellung eines der Kriegsverbrecherprozesse, die 1948 in Nürnberg stattfanden. Stanley KramerDer mit Stars beladene Film ist eine stattliche, gesprächige und, wenn Sie interessiert sind, durchaus packende Untersuchung der Abgrenzung zwischen einem ausgewachsenen Nationalsozialismus und der Verteidigung gegen 'gerechte Befehle' / Patriotismus, die so viele untergeordnete Parteimitglieder und gewöhnliche Deutsche haben in den Jahren nach dem Krieg vorgestellt. Mit Spencer Tracy in unvergleichlicher Form als vorsitzender amerikanischer Richter und Burt Lancaster Als einer der vier deutschen Angeklagten, der selbst Richter ist, verfügt der Film über ein riesiges (und beeindruckendes) Ensemble, zu dem auch der Oscar gehört Maximilian Schell, Richard Widmark, Judy Garland, Marlene Dietrich, William Shatner und Montgomery Clift. Aber durch seinen wortreichen und doch faszinierenden Höhepunkt (Abby MannDas Drehbuch wurde ebenfalls mit einem Oscar ausgezeichnet. Es erscheint fast als Zweihand-Drehbuch, in dem die subtileren Punkte des Gesetzes auf ein überraschend klares Ideal hinauslaufen. Wie Lancasters „guter Deutscher“ am Ende zu Tracy's Judge sagt: „Der Tod all dieser Millionen - Sie müssen glauben, ich hätte nie gedacht, dass es dazu kommen würde“, worauf Tracy antwortet: „Das kam, als Sie das erste Mal verurteilt haben ein unschuldiger Mann zu Tode. “Obwohl Schells brillanter Verteidiger gute Arbeit geleistet hat, um die Gräueltaten der Nazis mit Hiroshima und anderen Operationen der Alliierten in einen Zusammenhang zu bringen, fühlt sich der Film von kalter Wut durchdrungen, was zu seiner eindeutigen Schlussfolgerung führt:„ Nur Befehle befolgen “kann nicht entschuldigen jemand von Mitschuld am grotesken moralischen Versagen. Im Vergleich zu neueren Dokumentarfilmen und Erzählfilmen über den Krieg mag es sich ein wenig unangenehm anfühlen, aber als erstes großes Bild, das sich mit diesem Thema befasste (und zum ersten Mal wurde das Dokumentarfilm-Filmmaterial von Konzentrationslagern von vielen gesehen) und aufgenommen In Anbetracht der eigenen Zeit des Films, in der der Kalte Krieg in vollem Gange ist (einer der Angeklagten bittet um Gnade, weil die USA die Unterstützung Deutschlands gegen die Russen brauchen), ist dies ein auffallend kompromissloser Film.

“Die Suche” (1948)
Der erste Film eines amerikanischen Regisseurs, der nach dem Krieg in Berlin gedreht wurde. Fred Zinneman'Die Suche' mit der Hauptrolle Montgomery Clift, erlebte vor kurzem einen Aufschwung, als es von neu gemacht wurde Michel Hazanavicius, in den Tschetschenienkrieg 1999 transponiert und in der Hauptrolle nach Cannes geschickt Berenice Bejo. Dieses Remake war jedoch ein absoluter Idiot, der nur dazu diente, die Stärken des Originals noch einmal hervorzuheben - selbst dies ist kein Klassiker, dennoch bietet der Film von 1948 einige unglaublich authentische, bewohnte Schauplätze inmitten der Militärstützpunkte und von Trümmern übersäten Poststellen -Kriegsdeutschland und eine wunderbar entspannte Wendung von Clift. Er spielt einen jungen amerikanischen GI, vielleicht ein bisschen blöd und grün, der einen traumatisierten, hungrigen Jungen findet und sich mit ihm anfreundet, der inmitten der Ruinen umherwandert und im Nebel des Krieges von seiner Mutter getrennt worden war. Der Film ist seltsam getaktet, manchmal fühlt er sich schlaff und beinahe durchgeknallt, als das Paar sich widerstrebend und dann trotzig verband, aber die ernsthafte Nüchternheit von Clifts Auftritt (wie berichtet) Clint Eastwood bezeichnet diese Rolle von Clift als die größte Inspiration für seinen eigenen Schauspielstil) und verleiht selbst den langweiligsten Szenen einen ungezwungenen Naturalismus, der in einer solchen möglicherweise melodramatischen Geschichte an sich bemerkenswert ist. Und die beeindruckenden Details sind nicht nur in seiner Leistung und den zerstörten, gesprengten Gebäuden zu sehen. Es gibt auch kluge Hinweise auf psychologische Einsichten, die von humorvollem Geschehen über das Sandwich, das ihre Freundschaft einleitet, bis zu leicht herzzerreißendem Geschehen reichen, wie das Kind mit dem Spitznamen Jim zuerst aus dem Waisenhaus weggelaufen ist, als es weggelaufen ist Ich sah sie Kinder in Krankenwagentransporter laden und erinnerte mich, dass die Nazis die Leute so in die Lager gebracht hatten. „The Search“ ist eine der wenigen Filmen, die sich mit dieser Zeit auseinandersetzen. Sie ist zurückhaltend, bescheiden und delikat gespielt. Hoffnungsschimmer und Optimismus machen sie zu einem kleinen Schatz inmitten von Trümmern und Zerstörungen.

“Lore” (2013)
Eine präzise, ​​poetische und kraftvolle Analyse der geistigen Zerbrochenheit der deutschen Nachkriegszeit aus der Sicht einer jungen deutschen Frau (exzellenter Neuling) Saskia Rosendahl), Cate Shortland'Lore' ist einer der jüngsten Einträge hier, aber auch einer der besten. Mit ruhiger Zurückhaltung und einem lyrischen Blick für die Landschaften und Bilder des zerstörten, demoralisierten, besiegten ländlichen DeutschlandsWahrer Detektiv'S Adam Arkapaw), es folgt die Geschichte von Lore (Rosendahl), deren Nazi-Eltern vor den entgegenkommenden Befreiungskräften fliehen und sie für ihre Geschwister sorgen lassen, von denen eine ein Baby ist. Ihre Nachbarn stoßen die Kinder bald aus und Lore ist gezwungen, die zuglosen 900 km zum Haus ihrer Großmutter zu fahren. Unterwegs trifft sie einen gleichaltrigen jüdischen Jungen, der für die Kinder und ihren Beschützer eine Art Vaterfigur ist. Aber hauptsächlich geht es um die Schuppen, die Lore in Bezug auf ihre Eltern und ihre eigene Belehrung zunehmend aus den Augen fallen. Shortlands Film ist eine gründliche Untersuchung eines Aspekts der deutschen Nazivergangenheit, den wir nicht allzu oft sehen: die Geschichte der Kinder, die vollständig unter dem Nationalsozialismus aufgewachsen sind und für die das Ende des Krieges das Ende der Welt war, die sie hatten bekannt, und es ist in seiner Erinnerung an die Seelenlosigkeit, die Art von Menschheitsvakuum, das Lore auf ihrer Odyssee im Ausland begegnet, leise erschreckend. Mit einer vernichtenden Ablehnung der Art von selbstgefälliger, vorsätzlicher Ignoranz und selektiver Vergesslichkeit der Generation ihrer Großmutter endend, erinnert uns „Lore“ daran, dass unter den vielen Opfern des Naziregimes die eigenen Kinder der Parteigläubigen waren, die in einer giftigen Ideologie erzogen wurden, die sie zurückließen als es scheiterte, mit nichts als einem Vermächtnis unaussprechlicher Schuld.

“Fahrraddiebe” (1948)
Das grundlegende Dokument der bestimmenden Kinobewegung der unmittelbaren NachkriegszeitVittorio De SicaDie Fahrraddiebe sind vielleicht auch der Höhepunkt des italienischen Neorealismus. Die Geschichte auf der Straße von Ehemann und Vater Ricci (Lamberto Maggiorani) Wer auf wundersame Weise Arbeit als Plakat findet, aber ein Fahrrad braucht, um beschäftigt zu bleiben, der spricht mit der Einfachheit der Erzählung kaum die ozeanische Menschlichkeit an, die der Film hervorruft. Sein Fahrrad wird natürlich gestohlen und zwingt Ricci, von seinem Sohn Bruno (Enzo Staiolain immer hoffnungsloseren Situationen, um es wiederzugewinnen. Die schnellen, klaren Linien der Handlung lassen den Film in einem Gefühl von Zeit und Ort schwelgen und bringen uns auf die Straßen des Roms der Nachkriegszeit mit einer Unmittelbarkeit, die selten erreicht wurde. Die Dringlichkeit ergibt sich jedoch hauptsächlich aus einer vollständigen Identifikation mit Riccis Notlage und einem Bewusstsein für die metaphorische Ebene, auf der sie gelesen werden kann: Ricci ist das perfekte Symbol für einen Mann, eine Klasse oder eine ganze Nation, die auf dem richtigen Weg ist Verzweiflung trifft auf den korrumpierenden Einfluss einer ungerechten Gesellschaft. Der Film spürt Riccis Stimmungen von Langeweile über Hochstimmung, Verzweiflung, Verzweiflung bis hin zu herzzerreißender Schande nach und umfasst alle Schattierungen von Licht und Dunkelheit bis hin zu Absurdität - wie in dem Moment, in dem die ganze Welt ein Fahrrad zu besitzen scheint, in dem Ricci kein Fahrrad besitzt. Man hat das Gefühl, dass sich das geschockte Italien nach den Traumata von Krieg und Faschismus noch nicht einmal zu sammeln begonnen hat, was sich in diesem großartigen, ambivalenten Ende niederschlug: Ricci entgeht der direkten Bestrafung durch Brunos Tränen, wird aber verschluckt Von der unbekümmerten Menge ist ihre Zukunft trostlos, ihre Probleme ungelöst und noch schlimmer, Ricci ist verdorben - hier schwillt die Kraft des Herzens an, ob Sie Ricci als Allegorie für das zerschlagene Italien lesen oder einfach als Mann, der es nicht mehr kann Schau seinem Sohn in die Augen.

Es gibt hier einige wirklich atemberaubende Titel, und wenn sie Ihren Appetit nach mehr geweckt haben, hier einige Vorschläge zum weiteren Anschauen: Die anderen Kurosawa-Filme in diesem exzellenten Criterion Box-Set sind:Ein wundervoller Sonntag' und 'Keine Reue für unsere Jugend, “Und andere japanische Regisseure Kon Ichikawa'S'Die burmesische Harfe“Ist auch ein kraftvoller Kriegsende-Film, der den schwierigen Kapitulations- und Kapitulationsprozess in einem japanischen Dorf beschreibt. “Ich war eine männliche Kriegsbraut”Detailliert auf humorvollere Weise die Schwierigkeiten und die Bürokratie unter den Besatzungsmächten im Nachkriegs-Berlin; Jacques Tourneur'S'Berlin Express”Nutzt die Location-Fotografie für einen Noir-Thriller; wie das einfachere Drama “Der große Aufzug”Über die Berliner Luftbrücke, die zusammen mit zwei anderen Titeln, die in der Hauptliste erwähnt sind, Sterne hat Montgomery Clift.

Wenn 'Der dritte Mann'Haben Sie Hunger nach mehr Wiener Intrigen, George Sidney'S'Die rote Donau”Mit Walter Pidgeon und Ethel Barrymore oder 'Vier in einem JeepMit Ralph Meeker könnte die Rechnung passen. Und 'Nacht menschen, ”Mit Gregory Peck war das Regiedebüt des berühmten Drehbuchautors Nunnally Johnson Das ist besser, als der weitgehend übersehene Status vermuten lässt. Wenn Sie etwas mehr in der Kategorie 'erweiterte Allegorie' wollen, Luschino Visconti'S enorme Dokufiction 'Die Erde zittert”Arbeitet viele der Themen und Themen ab, die in diesem Artikel angesprochen wurden, und zwar durch das Prisma eines kleinen Fischerdorfes und den Kampf der Fischer gegen die Ausbeutung.

Und wenn Sie einen Blick darauf werfen möchten, wie die siegreichen Nationen mit den unmittelbaren Folgen des Krieges umgegangen sind, gibt es eine ganze Reihe von Filmen darüber. Das wahrscheinlich bekannteste von der US-Seite ist “Die besten Jahre unseres Lebens'In Großbritannien war eine sehr eigenartige britische Reaktion die Komödie mit Klassikern wie'Reisepass nach Pimlico' und 'Mir geht es gut, Jack, “Und noch neuere Filme wie„Eine private VeranstaltungDie Entbehrungen und Nöte der Rationierung und des Straffens des Gürtels der Nachkriegszeit werden sanft verhöhnt.

Dies alles ist nur die Spitze des Eisbergs, aber diese Funktion war eine Freude bei der Recherche. Rufen Sie daher bitte andere Titel auf, die Sie in Betracht ziehen möchten, wenn wir in Zukunft auf das Thema zurückkommen.

–Mit Rodrigo Perez



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