Die beste Kinematographie von 2018

Die beste Kinematographie von 2018



Amazon / Screenshot / Paramount

Die Kinematographie ist weder ein Wettbewerb noch ein Schönheitswettbewerb, daher war es keine leichte Aufgabe, die besten Arbeiten der Jahre auf ein einfaches Ranking zu reduzieren. Häufig handelt es sich bei der Preisverleihung für Talente unter dem Strich um Skaleneffekte und den offensichtlichsten Einsatz von Handwerkskunst. hier geht es darum, wie form verwendet werden kann, um emotionen hervorzurufen und eine geschichte zu erzählen. Das sind 10 Filme, die das sehr gut können. Anschließend gingen einige weitere Preise an Filme, die Türen öffneten und auf eine aufregende Zukunft dessen hinwiesen, was in der Welt der Kinematografie möglich ist.



10. “; Entfernte Konstellation ”;

'Ferne Konstellation'



Shevaun Mizrahi

Die Kulisse für Shevaun Mizrahis Dokumentarfilm ist ein türkisches Altersheim, ein abgenutztes institutionelles Gebäude, das über einer Stadt thront, die unten wieder aufgebaut wird. Mizrahi, eine Mannschaft mit einer Frau, wandelt das Gebäude in einen ätherischen Turm des Winterlichts um, das, wenn es mit ihren älteren Themen verbunden wird ’; Erinnerungen haben eine eindringliche Wirkung, die nach dem Verlassen des Theaters noch lange anhält. Der Film fängt ein, was ein findiger Filmemacher mit wenig erreichen kann - auf das Licht warten, die Gespräche in den Wärme- und Farbtaschen der Institution inszenieren und mit einer Low-Fi-Kamera die Intimität und gegenseitige Zuneigung verkörpern, die sie mit ihr teilt Themen. “; Speicher ”; Mizrahi hat eine visuelle Kammer geschaffen, um die vergängliche und spirituelle Natur der Erinnerung an die Vergangenheit eines Films einzufangen.

9. “; Brennen ”;

Verbrennung

Screengrab

Zigeuner-Netflix-Ende

Der erste Teil des Regisseurs Lee Chang-dong 'Brennen' spielt sich wie ein befriedigender, wenn auch etwas schwerfälliger, naturalistischer Stückchen Leben. Aber nachdem die Protagonisten in einer wahrhaft wundersamen Szene Gras geraucht haben und zur untergehenden Sonne getanzt haben, verwandelt sich der Film in etwas, das eher der Version von 'Vertigo' von Haruki Murakami ähnelt. Was an Kyung-pyo Hong bemerkenswert ist, ist nicht, dass es diesen Übergang perfekt widerspiegelt, sondern wie organisch es zu dem ist, was auf der Leinwand zu sehen ist. Wenn Sie die Credits des Kameramanns scannen, werden Sie Filme mit impressionistischen, mutigen Stilen finden ('The Wailing', 'Snowpiercer'), aber mit 'Burning'. Die dichte Atmosphäre ist nicht Teil des Aussehens des Films, sondern wird durch die Lage und das natürliche Licht motiviert. Das Mysterium des Films selbst wird zum Studium von Licht und Dunkelheit.

8. 'Wir, die Tiere'

'Wir die Tiere'

Cinereach

Die Haut, die Farbe, die poetische Wärme und Intimität des Sommers, “; Wir, die Tiere ”; ist ganz einfach der wunderbar strukturierte Film des Jahres. Was an diesem 16-mm-Sundance-Film besonders bemerkenswert ist, ist, dass er in keiner Weise eine gemalte Nostalgie aufnimmt, sondern sich auf einen poetischen Realismus gründet. Die jungen Schauspieler haben die Freiheit, sich zu bewegen, die Kamera ist in der Hand gehalten, aber nichts ist rau oder rau. Die Brillenfassungen mit Weitwinkelobjektiven haben eine Nähe und Unmittelbarkeit, aber die Kamera atmet mit einem gleitenden Sprung, eher wie ein Unterwassertraum als der pseudodokumentarische Stil, der die meisten Handheld-Indies mit einer Erstbesetzung definiert. Der Kameramann Zak Mulligan kreiert ein Sommerlicht, das sich fern, gesprenkelt oder verblasst anfühlt - ein guter Teil dieses Films fühlt sich an, als ob er die magischen letzten drei Stunden eines Sommertages gedreht hätte. Als nächstes steht für Mulligan Benh Zeitlin vor der Tür. das sollte eine leinwand für mehr des glorreichen sein.

7. “; Wenn Beale Street sprechen könnte ”;

'Wenn Beale Street reden könnte'

Screengrab

Als bekannt wurde, dass Barry Jenkins und James Laxton die Nachfolge von 'Moonlight' anstreben Es wäre eine Adaption von James Baldwin aus der Harlem-Epoche, bestimmte Bilder gingen einem durch den poetischen, asiatisch-europäischen Kunstkino-Ansatz ihres vorherigen Oscar-Preisträgers in den Kopf. Mit Ausnahme von „Beale Street“ war dies ein Film, der sich allen Erwartungen widersetzte, mit einer Bildsprache, die dem Technicolor-Melodrama der 1950er-Jahre in Hollywood und dem Realismus der großen Fotografen, die Harlem an seinem Wirtschaftsstandort gefangen genommen haben, mit einem Bein begegnet ist. Laxtons großformatige Kinematografie findet eine Kühnheit in den Bildern, die die Kraft von Baldwins Worten und die herzliche Umarmung der Liebe der Protagonisten haben. Nehmen wir als Beispiel die unglaubliche Bandbreite emotionaler Ausdrucksmöglichkeiten, die der Kameramann in Fonnys heruntergekommenem Gartenstudio / Apartment vorfindet - von der eingefrorenen Intimität des ersten Males, in dem sich die Charaktere lieben, bis zur brennenden Intensität von Fonny (Stephan James) ) verloren in künstlerischer Inspiration, in der ernüchternden Dunkelheit von Daniels (Brian Tyree Henry) Erinnerung, im hoffnungsvollen Licht der Geburt eines Kindes. Die dynamische Bildsprache von Laxton ist genau darauf abgestimmt, wie Jenkins 'Richtung mit Emotionen und Inspirationen in Einklang gebracht wird, basiert jedoch auf einem sehr realen Sinn für Zeit und Ort.

6. “; Sie waren nie wirklich hier ”;

'Du warst nie wirklich hier'

Alison Cohen Rosa | Amazon Studios

In dem Trailer zu “; Du warst nie wirklich hier ”; Ein Kritiker bezeichnete den Film als modernen 'Taxifahrer'. eine strittige Unterscheidung, außer wie die schwülen, körnigen New Yorker Straßen zu einem Wandteppich des Wahnsinns werden. Mit der Regisseurin Lynne Ramsay gibt es immer eine zweideutige Linie, in der ihre visuelle Lyrik endet und die Kinematographie beginnt, aber auf “; Sie waren nie wirklich hier ”; Mit dem Kameramann Thomas Townend findet sie einen wahren Mitläufer. Für einen Film mit sehr geringer tatsächlicher Kamerabewegung herrscht ein ständiges Gefühl von Unbehagen und Energie, und wie bei 'Taxifahrer'. Townend und Ramsay erschaffen eine so halluzinatorische Welt, dass die viel diskutierte Unterwasserszene eher eine natürliche Erweiterung als eine Abkehr von dem ist, was vorher war.

5. “; Der Favorit ”;

Rachel Weisz und Olivia Colman im Film “The Favorite”

Yorgos Lanthimos

verschiedene Arten von Xenomorphen

Regisseurin Andrea Arnold erzählt die Geschichte, als sie als noch unerfahrene Regisseurin mit Kameramann Robbie Ryan an einer ihrer frühen Kurzfilme arbeitete. Es war eine ziemlich enge Einstellung, in der sich ihr Schauspieler schnell vom zweiten Stock in den ersten bewegte. Als sie durch das Bild ging, traf es sie wie eine Tonne Ziegelsteine ​​- das bedeutete, dass Ryan mit einer 35-mm-Kamera rückwärts nach unten rennen musste. Ryan schlug kein Auge und Arnold auch nicht, als sie mit Ryan hinter der Kamera eine einzigartige Marke kinetischer visueller Poesie schuf.

Für “; Der Favorit ”; Regisseur Yorgos Lanthimos wollte in Opulenz der Burg von Königin Anne einen historischen Film drehen, außer dass sie keine Kinolichter, keine Flaggen oder Sprungkraft verwenden, um das natürliche Licht zu formen. Er sollte mit knalligen 6 und 10 mm breiten Bildern drehen. Winkellinsen und seine animierte Kamera liefen, blieben stehen und schwenkten mit Präzision und Persönlichkeit im Handumdrehen und ohne Steadicam. Wieder kein Problem. Dass Ryan einen so großartigen Film gedreht hat, ohne reich verziert zu sein und Lanthimos Vision einzufangen (wenn nicht freizuschalten), ist eines der Wunder des Filmemachens von 2018. Kein Kameramann, der heute arbeitet, liefert ohne viel Aufhebens Kinematografie mit natürlichem Licht und Kamerabewegung mit einer Körperlichkeit wie Ryan.

4. “; Die Insel der Hunde ”;

'Insel der Hunde'

Fox Searchlight

In dem Erstaunen, dass Wes Anderson im Jahr 2018 immer noch der mühsamen Umsetzung seiner einzigartigen Vision in Stop-Motion-Animationen gewidmet ist, muss jedes dieser Einzelbilder beleuchtet werden. Während viele die klare Bezugnahme und den Einfluss von Kurosawa und Welles auf die 'Isle of Dogs' hervorgehoben haben, ist die Nur wenige haben erwähnt, wie der Kameramann Tristan Oliver so unglaubliche Tiefenschärfe-Bilder geschaffen hat. In dem für Anderson untypisch entsättigten Film wird Oliver ’; s Licht mit Kontrast und Schatten gefüllt, um (bei weitem) die ausdrucksvollste und detaillierteste Kinematographie in einem Anderson-Film zu erzeugen. Es ist auch die stimmungsvollste und nuancierteste Beleuchtung von 2018.

3. “; Vernichtung ”; “; Mission Impossible: Fallout ”;

'Vernichtung' und 'Mission Impossible: Fallout'

Paramount

Hollywood-Studios, psst. Hier drüben. Ich weiß nicht, wie ich es für Sie auflösen soll, aber Ihre Filme sehen beschissen aus.

All diese Technologie und diese unglaublichen magischen Werkzeuge sind großartig, aber es ist schon lange vorbei, dass sie vollständig und nahtlos in Ihr Storytelling integriert werden sollten. Tatsächlich waren sie im Grunde zum Zeitpunkt des ersten “; Herr der Ringe ”; und wenn Sie die unglaublich filmische Ausgabe des neuen “; Star Wars ”; Filme unter der Leitung von Kathleen Kennedy (die dies vor Jahrzehnten mit Spielberg herausgefunden hat), es ist offensichtlich, dass es einen Workflow gibt, der auch heute noch funktionieren kann. Es ist keine binäre Wahl, visuelle Effekte und große Aktionen sind tatsächlich besser, wenn sich Ihr Kameramann im Mittelpunkt Ihres Workflows befindet.

Paramount hatte sowohl die besten Studio-Science-Fiction- als auch Action-Filme von 2018, die beide zufällig auch die beste Kamera hatten. Sie hatten auch den gleichen Kameramann: Rob Hardy. Von der Jenseitigkeit des Schimmerns und der Sättigung in Bereich X ('Vernichtung') bis zum Halo-Sprung in 'Mission Impossible' ('Mission Impossible'). Hardy verwendete große Budgetressourcen, um das Fantastische nahtlos in Fotorealismus zu integrieren. Seine Bilder sind beeindruckend, viszeral, atmosphärisch und stehen ganz im Dienste von Regisseuren, die ein Genre mit hoher Oktanzahl liefern.

2. “; Kalter Krieg ”;

'Kalter Krieg'

Amazonas

Wenn man in einer Welt des Farbfernsehens und der Filme lebt, ist ein Schwarzweißfilm von Natur aus filmisch. Aus kinematografischer Sicht erhöht Schwarzweiß jedoch nicht unbedingt die Beleuchtung, sondern zeigt sie - alles, was wir haben, ist Licht, Weiß bis Schwarz und alle Schattierungen dazwischen. Schwarz-Weiß-Bilder können schnell als flach, überbelichtet oder einfach ausgeschaltet belichtet werden. Umgekehrt ist im Fall von “; Kalter Krieg ”; Das Schwarzweiß zeigt einen der größten beleuchteten Filme des letzten Jahrzehnts.

In vielerlei Hinsicht “; Kalter Krieg ”; ist ein besseres Schaufenster für den Kameramann Lukasz Zal als “; Ida, ”; Den vorherigen Schwarz-Weiß-Film drehte er für Regisseur Pawel Pawlikowski und erhielt dafür eine Oscar-Nominierung für die Co-Kamera. Für “; Kalter Krieg ”; Pawlikowski und Zal erhöhen den Kontrast, während sie die Kamera anheben, damit sie tiefer in eindrucksvolle Räume und Orte hineinsehen kann. Der Film brachte auch monatelange Vorbereitungen mit, in denen die beiden Mitarbeiter sorgfältig längere Einstellungen entwarfen, in denen das visuelle Geschichtenerzählen auf das Wesentliche reduziert wurde - jede Auffrischung, jede Bewegung ein dramatischer Storytelling-Beat und Zals präzise Beleuchtung und Verwendung von Kompositionen Tiefe, die den Moment betont und formt.

1. “; Suspiria ”;

'Suspiria'

sinemia hat vergessen einzuchecken

Düsteren Kalten Krieges Deutschland im Winter. Wählen Sie eine Farbe zur Beschreibung von “; Suspiria ”; und du würdest grau sagen. Im digitalen Zeitalter wird diese Art von entsättigtem Film nur allzu oft mit einem Dreh auf der Post ausgeführt, wodurch das Leben und die Seele des Bildes zerstört werden.

Das ist nicht Suspiria. und es ist sicherlich nicht der Kameramann Sayombhu Mukdeeprom, der sich mit diesem Film eindeutig als einer der wenigen besten DoPs etabliert, die heute arbeiten. In der schmalen Palette des Films befindet sich eine Tour de Force exquisit geformter Kinematografie - lebendige, fast opulente Bilder mit einer reichen Schicht auf einer reichen Schicht: der Porzellanhautton, die Symphonie gedämpfter Farben, das silberne Winterlicht. All das geht nahtlos in andere Dimensionen über, wie der noirische undefinierte Raum in den Korridoren, die Theatralik der Volk-Performance, die ätherischen Alpträume und das Ende.

Mukdeeprom fängt die Essenz des Kameramanns Michael Ballhaus perfekt ein, dessen Arbeit in den 1970er Jahren mit dem deutschen Regisseur Rainer Werner Fassbinder den Geist des Zeitalters verkörperte, den Regisseur Luca Guadagnino zu kanalisieren versuchte, aber zu seinem eigenen machte. Und wie bei Ballhaus ('After Hours', 'Goodfellas') ist Mukdeeproms Fähigkeit, dies alles mit einer artikulierten Kamerabewegung und treibenden Dolly-Shots zu liefern, das Zeug für einen Scorsese-Film.

MVP (Most Valuable Photography): “; Ein Stern ist geboren ”;

'Ein Star ist geboren'

Warner Bros.

Die anderen Filme in diesem Artikel werden durch die Kinematografie aufgewertet, wobei die DoPs eine expressive Schicht aus der Geschichte ätzen, die über die Performances und die Regie hinausgeht. Im Fall von “; Ein Stern wird geboren ”; Der Kameramann Matthew Libatique hat die visuelle Sprache und Struktur geschaffen, die es diesem Film ermöglicht, in die Höhe zu schnellen.

Denken Sie über den Auftrag selbst nach: Ein erstmaliger Regisseur (Bradley Cooper), der kein Musiker ist und als Rockstar fungiert, der gleichzeitig einen echten Popstar (Lady Gaga) inszeniert, der nicht agiert. Während Cooper die Performances findet, muss Libatique einen unauffälligen Shooting-Stil entwickeln, der sich der Performance beugen kann, der jedoch Unmittelbarkeit und Intimität erfordert - der Film fühlt sich manchmal wie eine lange intensive Nahaufnahme an. Ein Meister für das Gefühl einer sich bewegenden Kamera, mit der Fähigkeit, radikal unterschiedliche Rhythmen für alles von 'Mutter' zu spielen! zu “; Iron Man ”; Libatique spielt Quarterback auf “; Star ”; Drehen Sie verschiedene Kameras mit unterschiedlichen Objektiven während der Aufnahme hinein und heraus, um das Schneiden und Ändern der Einstellungen zu vermeiden. Die Bewegung von Gaga und Cooper, die emotionalen Beats der Szenen und die sich bewegende Kamera scheinen perfekt zeitlich abgestimmt und choreografiert zu sein. Sie sind nicht, das ist alles Libatique und sein Team, die den Moment und die Rahmen finden, während sie sich von den Darstellern ernähren.

Die Aufgabe wird nur schwieriger, wenn Sie die Live-Konzerteinstellungen berücksichtigen, aber auch die Vorstellung, dass die Kamera niemals die Bühne verlässt. Wir sind nie in der Menge, die das Konzert sieht, wir sind mit unseren Darstellern. Die Lichter richteten sich auf die Kamera (und die Darsteller). Und doch ist der Film nahtlos. Gaga geht zum ersten Mal auf die Amphitheaterbühne, um sich das Mikrofon zu schnappen und 'Flach' zu lassen. rip fühlt sich optisch organisch an, der natürliche Höhepunkt der berauschenden 30-minütigen Eröffnung des Films. Um dies alles zusammenzuführen, hat Libatique eine befriedigende Farbgeschichte geschaffen, indem er uns zuerst in Coopers cyan-rötlichem Licht geerdet hat, das sich biegt und verändert, wenn die beiden verschmelzen und auseinanderfallen.

Ich weiß nicht, ob die Kinematographie 'Ein Stern ist geboren' ist. selbst gehört zu den Top 10, aber was mir sehr am Herzen liegt, ist, wenn Sie die Arbeit von Libatique entfernen: 'A Star Is Born' (Ein Stern ist geboren). ist ein bester Song-Anwärter.

Anerkennungen: “; Erster Mann ”; (DoP Linus Sandgren), “; Glücklich wie Lazzaro ”; (DoP Hélène Louvart), “; Erblich ”; (DoP Pawel Pogorzelski), “; Ich denke, wir sind jetzt allein ”; (DoP Reed Morano), “; Alter Mann & the Gun ”; (DoP Joe Anderson), “; The Sisters Brothers ”; (DoP Benoît Debie), “; Witwen ”; (DoP Sean Bobbitt), “; Zama ”; (DoP Rui Poças).

Was sind die nächsten Auszeichnungen?

Die folgenden Filmemacher haben sich in diesem Jahr auf spannende Weise mit dem Medium auseinandergesetzt, Grenzen überschritten und die Türen des Filmemachens geöffnet.

Erkundung der Dunkelheit

'Wo ist Kyra?'

Bildschirmfoto

Kameramann Bradford Young ('Solo', 'Wo ist Kyra?'): Digital ist kein Film, egal ob gut oder schlecht. Zum Besseren ist die Menge an visuellen Informationen, die sich jetzt im „Zehenbereich“ befindet, am unteren Ende der Belichtung unglaublich. Wenn ein David Fincher-Film wie ein MGM-Musical aussieht, erkundet niemand diese digitale Dunkelheit wie Bradford Young. In „Where is Kyra?“ Macht Young mehr mit einer Glühbirne als die meisten Kameramänner mit unbegrenzter Zeit und Ausrüstung. Dass diese Erkundung auf einen „Star Wars“ -Film („Solo: A Star Wars“) übertragen wurde, verwirrt den Verstand, während wir unsere Projektion der düsteren Filmkette aufdecken und testen (wenn nicht sogar brechen). Der kühnste Kameramann, der heute arbeitet.

Exploring Nonfiction Form

„Hale County heute Morgen, heute Abend ”;

Sonnentanz

Walking Dead Staffel 2 Folge 6

RaMell Ross (“; Hale County heute Morgen, heute Abend ”;): RaMell Ross verkörpert die wörtliche Rolle eines Kameramanns. Als Fotograf und Filmemacher hauchte Ross 'Herangehensweise an seine zeitbasierten Bilder der Sachbuchwelt frische Luft ein. Jedes Bild ist ganz und soll für sich stehen und die Schönheit, Magie, Wahrheit und Zweideutigkeit verkörpern, die er durch seine Linse sieht. Es ist keine Berichterstattung, es ist keine Erfassung von Momenten oder Filmmaterial, das einer größeren Erzählung dienen soll, es ist eine Interpretation eines Moments durch einen nachdenklichen Künstler und eine Hölle eines Fotografen.

Neue Kompositionen erforschen

'Rom'

Screengrab

“; Roma ” ;: Alfonso Cuaron ist nicht der erste Regisseur oder Kameramann, der im Großformat dreht, sei es ein 65-mm-Film oder ein digitaler Sensor derselben Größe. Er ist einer der Ersten, der die einzigartigen Eigenschaften des Formats mit Weitwinkelobjektiven nutzt, um im Wesentlichen intime Momente mit großer Tiefenschärfe und Reichweite einzufangen.

Cuaron nutzte den Vorteil, wie viel breitere Objektive auf dem Großformat entstehen (ein engeres 50-mm-Objektiv im 65-mm-Format erfasst dasselbe Sichtfeld wie ein breiteres 25-mm-Objektiv im 35-mm-Format) und schuf Bilder mit einem weiten Sichtfeld und einer enormen Tiefe von Feld, aber für intime Szenen und Momente. Das Ergebnis ist, dass wir Spielraum mit immersiver Nähe haben, Intimität mit objektiver Distanz. Es ist ein anderes Kinoerlebnis, das von einem einzelnen Künstler auf einzigartige Weise genutzt wird, aber es wird interessant sein zu sehen, wohin andere es als nächstes bringen.



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