25 Lieblingsfilme aller Zeiten

Seit den 1903er JahrenDer große Zugraub„Das virtuell erfundene Kino, wie wir es kennen (der erste Einsatz von Querschnitt, Kamerabewegung und Vor-Ort-Aufnahmen), Film und das Überfallbild waren untrennbar miteinander verbunden. Vielleicht ist es die Fluchtattraktivität des Gesetzlosen, vielleicht der Hass der Menschen gegen Banken, oder vielleicht ist es der eigentliche filmische Akt des Diebstahls von Dingen, die Ihnen nicht gehören, aber die Form ist seit über einem Jahrhundert durchweg beliebt. Es ist zwar nie wirklich vergangen und wird es wahrscheinlich auch nie sein, aber in den letzten Monaten gab es eine Reihe neuer Einträge, angefangen vom Erhabenen („Inception“, das trotz seiner Science-Fiction-Eigenschaften ein wirklich guter, altmodischer Film ist) bis hin zu das Lächerliche (Hayden Christensen und sein überaus stanzbarer Schweinefleischpastetenhut in „Takers“). 'The Town' von Ben Affleck ist heute im Kino zu sehen. Es handelt von Bankräubern in den engen Straßen Bostons. Es handelt von drei packenden und gut ausgeführten Überfallsequenzen, die zu den besten gehören, die wir seit langem gesehen haben. Zu Ehren dieses Films haben wir eine Liste unserer Lieblings-Überfallfilme zusammengestellt. diejenigen, die uns jedes Mal verblüffen, wenn wir ihnen eine Spritztour geben.



Einige der Filme, die wir diskutieren, werden vom 1. bis 21. Oktober im Filmforum in der West Houston Street in einer exzellenten Reihe von Doppelzetteln gezeigt. Wenn Sie also mit diesen Titeln nicht vertraut sind, sollten Sie dies unbedingt überprüfen. Der Rest von uns muss nur die Netflix-Warteschlange füllen ...

'Der Lavender Hill Mob”(1951)
Nicht jeder Film kann behaupten, dass er ein ganzes Subgenre hervorgebracht hat, aber die Raubkomödie, die seitdem in allen Filmen von 'To Catch A Thief' bis 'Bottle Rocket' zu sehen war, gab es vor 1951 in 'The Lavender Hill Mob' nicht wirklich . “Alec Guinness, einer der besten Komiker in Ealing, ist ein schüchterner Bankangestellter (in einer großartigen, von einem Oscar nominierten Aufführung), der einen Plan hat, Goldbarren von seinem Arbeitsplatz zu stehlen. In Zusammenarbeit mit einer Gruppe unwahrscheinlicher Gauner (Stanley Holloway, Alfie Bass und der große Sid James) stellen sie fest, dass sie das Gold nach Frankreich schmuggeln und es einschmelzen können, indem sie ihre Beute als Souvenirs des Eiffelturms tarnen. Wie eine Comic-Version von Kubricks 'The Killing' geht der Überfall ohne Zwischenfälle vonstatten, doch im Nachhinein zerfällt alles, da die verkauften Statuen als echte Souvenirs missverstanden werden. Es ist seltsam packend - der Film war ursprünglich als reines Drama konzipiert - und Regisseur Charles Crichton (der im Alter von 78 Jahren einen weiteren britischen Überfall-Comedy-Klassiker 'A Fish Called Wanda' inszenierte) hatte eine der sichersten Comic-Rollen im Geschäft Aber was beeindruckend ist, ist das Pathos, das Guinness und Holloway erzeugen: Sie wollen, dass die Gruppe Erfolg hat, und wenn man bedenkt, dass es sich um eine Komödie handelt, ist das Ende zutiefst bewegend. Halten Sie die Augen offen für eine junge Audrey Hepburn.



'Die Thomas-Crown-Affäre”(1968)
Der Heist Caper / Romance-Hybrid von Norman Jewison ist ein schillerndes, unwiderstehliches Stück Pop-Eskapismus der 60er Jahre, das von einem subtilen Unterton dunklen Zynismus durchdrungen wird. Steve McQueen ist der gleichnamige Antiheld, ein lakonischer, aufregender Millionär, der einen kühnen Banküberfall in Boston organisiert - größtenteils aus Langeweile. Faye Dunaway ist seine Folie Vicki Anderson - eine Versicherungsermittlerin, die nur im Kino über den Mailänder Laufsteg und das Cover der Vogue recherchiert. Daraus ergeben sich alle Arten von stilvollen Katz- und Maus-Spielereien, einschließlich des zu Recht berüchtigten „erotischen“ Schachwettbewerbs, den Jewison als barockes, fast psychedelisches Versatzstück inszeniert. Crown ist einfach als Orgie hedonistischer Wunscherfüllung anzusehen, und allein unter diesen Bedingungen taucht der Film wirklich vom Bildschirm auf. Jewisons Regie ist eine schwindelerregende, treibende Trickkiste - die Bearbeitung ist lebhaft, witzig und punziert, der Soundtrack vielseitig und die Verwendung von geteiltem Bildschirm wirklich unentgeltlich. Glamour und teures Spielzeug gibt es zuhauf. Diese Kapriole ist jedoch nicht ohne eine gewisse Dunkelheit - Jewison stellte sich Crown als eine Romanze zwischen zwei leeren, narzisstischen Seelen vor, eine „Liebesbeziehung zwischen zwei Scheißen“ - und eine gewisse Melancholie schleicht sich ein, wenn das Paar erkennt, in welchem ​​Maße sie gefangen sind in ihrer eigenen zynischen Selbstachtung. Thomas Crown hat Reichtum und Ansehen, aber er hat das ständige Bedürfnis, Risiken einzugehen und sich gegen das System zu wehren - eine seltsam treffende, fast autobiografische Rolle für McQueen. John McTiernans Remake ist auch nicht schlecht, aber kein Patch auf Jewisons Original.



Louis ck Vater

“;Der heiße Felsen”; (1972)
Verfasst von dem zweimaligen Oscar-Preisträger William Goldman ('Butch Cassidy & The Sundance Kid', 'All The President's Men') und mit einer jazzigen, bongo-geladenen Partitur von Quincy Jones, Peter Yates ’; Die achte Regiearbeit in Spielfilmlänge ist ein Produkt ihrer Ära und könnte als Inbegriff des 70er-Jahre-Bildes angesehen werden, sofern sie von vielen Prüfsteinen dieser Zeit geprägt ist. ein lakonischer, gesprächiger Rhythmus, ein trockener, komödiantischer Witz und eine sachliche Haltung, die das Jahrzehnt des amerikanischen Kinos kennzeichneten. Darsteller sind Robert Redford, der stets hervorragende und unterschätzte George Segal, die Charakterdarsteller Ron Leibman, Moses Gunn und die Comedic-Legende Zero Mostel. wurde während seiner Veröffentlichung eigentlich als komödiantisch bezeichnet, aber sein Humor ist nach den heutigen Maßstäben ziemlich zurückhaltend. Es ist jedoch nicht zu leugnen, dass der Film einen lockeren und luftigen Ton hat, der es mühelos möglich macht, ihn anzusehen. Im Vergleich zu einigen dieser anderen eiskalten Klassiker könnte das Bild von Yates hier ein wenig klein erscheinen, aber es ist vielleicht eine wichtige, zurückhaltende Vorlage, der andere folgen würden. am bedeutendsten in Wes Anderson ’; s “; Bottle Rocket ”; - ob er es aktiv wusste oder nicht.

'Ocean's Zwölf”(2004)
Steven Soderberghs 'Ocean's Eleven' ist eine elegante, unterhaltsame Arbeit, eine der wenigen Neuauflagen, die das Original übertrifft. Aber es ist die Fortsetzung von Ocean's Twelve aus dem Jahr 2004, die Wahl des Filmfans in der Trilogie: ein lockerer Überfall, der von Anfang bis Ende pure Freude bereitet. Es ist eines der formal experimentierfreudigsten Bilder von Soderbergh, das den Filmen der europäischen Neuen Welle zu verdanken ist. Umso aufregender ist es, wenn er in einem Studiotentpole davonkommt. Ja, die Julia-Roberts-spielt-eine-Figur-die-Julia-Roberts-Szene am Ende ist ein wenig selbstgefällig, aber zum größten Teil ist es ein geniales, unterhaltsames Bild, das die Kritik nicht verdient Evisceration erhielt es bei seiner Veröffentlichung: In der Tat ist es so etwas wie ein Playlist-Favorit geworden, wie die Jahre vergangen sind. Und als Überfallfilm ist er in den letzten zehn Jahren mit einer Reihe von Versatzstücken unübertroffen (insbesondere die auf Anregung des Schauspielers eingeführte Vincent Cassel Capoeria-Sequenz), die alles übertrifft, was mit „Takers“ zu tun hat.

'Insider”(2006)
Bis er es mit „Miracle At St. Anna“ abfüllte (obwohl selbst dieser Film hier seine Verteidiger hat), war Spike Lee mitten in der Hektik. 'The 25th Hour' war einer der besten Filme des Jahrzehnts, und 'When The Levees Broke' war einer der besseren Dokumentarfilme. Dazwischen lieferte er mit Leichtigkeit seinen bislang gängigsten Film, das Überfallbild „Inside Man“. Während es anfangs eher allgemein wirkte, erwies es sich nicht nur als mühelos unterhaltsamer Film für Erwachsene, sondern auch als unterhaltsamer Film ein Spike Lee Joint durch und durch. Während die Verschwörung zugegebenermaßen weit hergeholt war, war der zentrale Überfall spannend und unvorhersehbar, und die Darsteller waren gleichermaßen großartig und hatten eindeutig die beste Zeit ihres Lebens: Denzel Washington, schäbig, locker und sympathisch, Clive Owen, steely, trocken und söldnerisch, und Jodie Foster gibt vielleicht die beste Leistung, die wir seit einem Jahrzehnt von ihr gesehen haben, in der Art von Rolle, die sie heutzutage selten einnimmt. Ganz zu schweigen von Chiwetel Ejiofor, Willem Dafoe, Christopher Plummer oder dem typischen New Yorker Ensemble Lee. Es ist auch unerwartet und durchweg witzig, aufgenommen mit einem von den 70ern geprägten, Lumet-artigen Flair und Stil und einem durch und durch NYC-Bild.

“;Blaues Halsband”; (1978)
Das packende, leise, intensive und tragische Debüt von Paul Schrader (nur zwei Jahre, nachdem er 'Taxi Driver' geschrieben hat) (der Autor war nach dem Anschauen total deprimiert) ist eine unglaublich unterschätzte und unterschätzte Anstrengung im Körper des fleckigen Filmemachers Arbeit (wir qualifizieren das gleich). Ob geschrieben oder inszeniert (oder in diesem Fall beides), Schraders 1970er-Werke ('Rolling Thunder', 'Obsession', 'Hardcore') beschäftigten sich fast immer mit dem amerikanischen Verfall nach Vietnam / nach Nixon und dieser Beschäftigung wurde vielleicht nie besser veranschaulicht als in “; Blue Collar. ”; Mit Harvey Keitel, Yaphet Koto und, in einer seltenen dramatischen Wendung, Richard Pryor dreht sich der Film um drei enttäuschte Autoarbeiter in Detroit, die es satt haben, ihre ineffektiven Gewerkschaften und Chefs zu misshandeln, und einen Plan ausarbeiten, um ihre Gewerkschaften ’ auszurauben Es ist sicher. Eine verpatzte Anstrengung von Anfang an, der Plan beginnt sich schnell aufzulösen, als das Trio die illegale Kreditvergabe der Arbeitsorganisation aufdeckt und die Angst durch die zunehmenden strafrechtlichen Ermittlungen wächst. Schraders frühe Filme brodelten mit fast unkontrollierbarer Empörung und Wut, was wahrscheinlich mit seiner unterdrückten calvinistischen Erziehung zu tun hatte, aber nie hatte sich ein Raubbild in seiner Entstehung so vitriolisch angefühlt und dann in seinem Niedergang so herzzerreißend. In dem Film ist auch Ed Begley Jr. zu sehen und es gibt eine Partitur des ehrwürdigen Jack Nitzsche.

'Die Flucht”(1972)
Basierend auf einem Roman des Dichter-Preisträgers Jim Thompson unter der Regie des feministischen Favoriten Sam Peckinpah und mit einem Steve McQueen, der mitten in einem von Kokain durchtränkten Ehezusammenbruch steckt, entspringt „The Getaway“ einem dichten Testosteron-Nebel : Mehr Jungs Night-In geht nicht. Ali McGraw (etwas fehlbesetzt, mit gelegentlich charmantem Effekt) setzt ihren Willen ein, um Ehemann „Doc“ McCoy (McQueen) aus dem Gefängnis zu befreien. Nach einem verpatzten Banküberfall machen sich die Streitkräfte auf die Flucht mit der Beute, die von Kanonenfutterpolizisten und verschiedenen Schlägern verfolgt wird, angeführt von dem erstaunlich abstoßenden und böswilligen Rudy (Al Letteria). Vielleicht gipfelt alles unweigerlich in einem Blutbad in El Paso und einer zärtlichen Versöhnung für die damaligen echten Liebhaber. Dies ist keineswegs Peckinpah der Spitzenklasse; sowohl er als auch McQueen waren nach dem kommerziellen Scheitern von 'Junior Bonner' (1972) verzweifelt nach einem No-Nonsense-Hit. Trotzdem sind alle Heftklammern da - atemberaubend bearbeitete Montagen, patentiertes Slo-Mo-Bullet-Ballett - und „The Getaway“ ist ein solider, geradliniger Actionfilm, der immer Spaß macht, mitten im Fernsehen zu landen. Möglicherweise nicht Robert Evans der lieblingsfilm aber ...

'Bob le Walze”(1956)
Die Bedeutung von „Bob Le Flambeur“ kann nicht genug betont werden. Neben „Rififi“ war dies die Geburtsstunde einer neuen Schule - eine Sensibilität, die sowohl amerikanisch als auch französisch war und die seltene Leistung erbrachte, sowohl schamlos abgeleitet als auch fühlbar neu zu sein. Bob wurde im Handumdrehen durch die Straßen von Paris gedreht und verwendet oft natürliches Licht und handgemachte Techniken. Er ist auch der klare Vorläufer von „A bout de souffle“ und des gesamten Ethos der New Wave. Es hätte durchaus ein weiteres Riff in Hustons Überfall-Filmbibel 'The Asphalt Jungle' sein können, aber stattdessen nutzt Melville die grundlegende 'Jungle' -Struktur, um eine kuriose, komödiantische Untersuchung eines Charakters und seines Milieus zu entwickeln. Als solches ist Roger Duchesnes Titel-Antiheld eine der frühesten und besten Erkundungen des zwanghaften Spielers, für den Risiko eine Lebensweise, eine existenzielle Berufung ist. Aus diesem Grund wird Melvilles Film besser als ein Anti-Heist-Film verstanden, der seine Genre-Erwartungen untergräbt. Aber es geht über das Genre hinaus, viele Dinge zu werden - eine poetische Hymne an Paris und das Leben seiner Randbewohner, eine klassische Elegie vergangener Ritterlichkeit und Ehre in einer Zwielichtwelt und eine ironische Erforschung der unerklärlichen Operationen des Zufalls gesehen durch die Augen eines seelenvollen Spielers. Ein prägendes Schlüsselwerk eines der entscheidenden Architekten des Überfallbildes.

'Der Fahrer”(1978)
Der Walter Hill der späten 1970er / frühen 1980er Jahre war ein kompletter und totaler Arsch. Filme wie 'The Warriors', 'Southern Comfort', '48 Hours' und 'Streets of Fire' setzten ästhetische Maßstäbe und setzten einige ernsthafte Testosteron-Standards. Ente ('Supernova', 'unbestritten'). Der männliche Stil von Hill kam 1978 mit 'The Driver' in den Mittelpunkt, einem schlanken und gemeinen Verfolgungsjagd- / Überfallfilm mit einer leise kraftvollen Darstellung von Ryan O'Neal als Titelfigur im Zentrum. Der namenlose Charakter von O ’; Neal ’; stiehlt Autos, die er dann bei Raubüberfällen fährt und die häufig zu aufwändigen und gut inszenierten Verfolgungsjagden führen. Bruce Dern ist der engagierte Polizist, der versucht, O ’; Neal aufzuspüren, der vor nichts Halt macht, um seinen Mann zu holen. Was die Handlung angeht, ist es ziemlich normal. Aber was Hill immer hervorgehoben hat, ist die Darstellung von Männern in gewalttätigen Aktionen, und „The Driver“ ist keine Ausnahme. Der dänische Filmemacher Nicolas Winding Refn (der brillante 'Bronson', 'Valhalla Rising') ist dabei, mit Ryan Gosling sein Fluchtfahrer-Opus 'Drive' zu filmen. Wird es das Äquivalent dieses Walter Hill-Klassikers für eine neue Generation sein?

„Stadt in Flammen”(1987)
Ein Undercover-Polizist infiltriert einen Ring von Diamantendieben, um zu sehen, wie der neueste Raubüberfall an Diamanten schief geht. Klingt bekannt? Nein, das ist kein Hongkonger Remake von 'Reservoir Dogs'. Der 1987 erschienene spannungsgeladene Hongkonger Suspense-Film warf nicht nur seinen Regisseur Ringo Lam auf die Landkarte, sondern verband Chow Yun-Fat erstmals mit Danny Lee, dem Vertragsspieler von Shaw Brothers aus den 1970er Jahren (die beiden wollten es) später in John Woo's bahnbrechendem 'The Killer' großartig nachbearbeiten. Der Film zeichnet sich durch stilvolle Actionszenen aus, die Sam Peckinpah stolz machen würden, sowie durch unzählige unauslöschliche Aufnahmen. Die denkwürdige Aufnahme des Films von Licht, das durch ein von Kugeln durchsetztes Lagerhaus strömt, wurde zum Beispiel von Robert Rodriguez für sein Ende von 'From Dusk Til Dawn' (Von der Dämmerung bis zum Morgengrauen) gehuldigt. Yun-Fat gibt eine seiner nuanciertesten Auftritte als konfliktreicher Held, der zwischen seinen beruflichen Verpflichtungen und persönlichen Bindungen gefangen ist, während Danny Lee als Rädelsführer der Diamantendiebe ausgezeichnet ist, die sich langsam auf den Neuankömmling erwärmen. Trotz einiger Szenen aus “; Reservoir Dogs ”; unheimlich ähnlich ein paar Szenen aus “; Stadt in Flammen ”; und die beiden Filme teilen sich im Allgemeinen eine Handlung, Tarantino behält Unwissenheit bei. Als Tarantino nach der Ähnlichkeit der beiden Filme gefragt wurde, witzelte er angeblich, er wolle unbedingt ['Stadt in Flammen'] sehen.

“;Gerade Zeit”; (1978)
Ulu Grosbard, ein weiterer Undersung-Klassiker der 70er-Jahre, ist ein Straight Time-Klassiker. Dustin Hoffmans fantastische Wendung als Ex-Betrüger, der versucht zu gehen ... (warte) geradeaus ist eines dieser losen, lakonischen, aber flotten Bilder, die sich wie eine Kreide voller ruhiger Momente anfühlen an Ort und Stelle wieder gutgemacht. Hoffman spielt Max Dembo mit einer jungen und hübschen Theresa Russell, Gary Busey, Harry Dean Stanton, M. Emmet Walsh und Kathy Bates (wie wäre es mit einer Killerbesetzung?) , aber ständig verfolgt von seinem strengen Bewährungshelfer (Walsh). Er lernt ein junges Mädchen (Russell) kennen, das ihn dazu verleitet, auf dem Laufenden zu bleiben, aber es ist nicht zumutbar, und schon bald plant der Hüfthose-Betrüger einen weiteren ausgeklügelten Juwelenraub mit seinen Freunden. Mitgeschrieben von Alvin Sargent ('Paper Moon', 'Ordinary People', die Sam Raimi 'Spider-Man' -Filme) und Jeffrey Boam ('The Lost Boys', 'The Dead Zone'), könnten echte Kriminelle es wissen Das Beste, was das Bild von dem echten Kriminellen Eddie Bunker zu bieten hat: 'No Beast So Fierce'. (Bunker hat auch das Drehbuch mitgeschrieben). Er ist dafür bekannt, Mr. Blue in Tarantino zu spielen. und, wie Danny Trejo, wird im Kino als echte Con-Ikone anerkannt. Übrigens trafen sich Trejo und Bunker zum ersten Mal im Folsom State Prison. Berichten zufolge hat Michael Mann auch in nicht im Abspann erwähnter Weise zum Drehbuch beigetragen. Es genügt zu sagen, dass der Film eine große Kriminalität hat und ein Muss für jeden, der sich tiefer in das Genre des Überfallfilms einfügt.

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'Wie man eine Million stiehlt”(1966)
Die Raubkomödie von William Wyler aus dem Jahr 1966 ist die eigentliche Definition eines Films, wie er von den beiden gemalt wird. Nicht mehr machen. Der schaumige Spaß und die fesselnde Chemie zwischen Audrey Hepburn und Peter O ’; Toole (zweifellos zwei der schönsten Menschen, die je gelebt haben) scheinen mühelos zu sein, sind aber wirklich filmischer Blitz in einer Flasche, was den Film zu einem rein flüchtigen Konfekt macht, dem alles gelingt sein einfacher Ehrgeiz: zu unterhalten und nichts mehr. Und während dies weniger ein komplizierter Spielfilm als ein Schaufenster für Hepburns Givenchy-Garderobe ist, amüsiert sich O ’; Toole ’; mit einem Augenzwinkern und einigen netten offenen Autos und hochklassigen französischen Schauplätzen, ist der Überfall selbst mit einem gefälschten Meisterwerk verbunden. Ein Bumerang und ein angeborenes Wissen über die menschliche Natur ist eigentlich ziemlich erfinderisch, auch wenn es eigentlich nur eine Ausrede ist, unsere beiden äußerst attraktiven Protagonisten stundenlang in einem winzigen geschlossenen Raum festzuhalten. Dass sich ihre romantischen Absichten und wohlmeinenden Täuschungen (die sich natürlich auch gegenseitig betrügen) irgendwann ändern werden, steht außer Zweifel, aber obwohl das Ende vorhersehbar sein mag, ist es auch vollkommen zufriedenstellend - vielleicht Der Film ist formelhaft, aber dies ist eine seltene Gelegenheit, in der die Formel völlig funktioniert. Es ist unwesentlich leicht wie eine Blase, und wenn es keiner besonders genauen Prüfung standhält, warum sollten Sie dann noch tiefer gehen, wenn die Oberflächenzauber so beachtlich sind?

“;Flaschenrakete”; (1996)
Wir würden wahrscheinlich unsere linke Nuss geben, wenn Wes Anderson zu dieser zurückhaltenden, aber brillanten Art des Filmemachens zurückkehren würde, aber es ist unwahrscheinlich, dass dies passiert, bis er mit dem Alter nachlässt und seine stilistischen Tics hinter sich lässt. Wie auch immer, es gibt einen Grund, warum diese spritzige Komödie über drei Freunde, die für drei völlig erbärmliche und unfähige Diebe sorgen, auf Martin Scorseses Liste als einer der besten Filme der 90er steht. Vergessen Sie Andersons später exzentrisch überladene dioramaähnliche Filme, “; Bottle Rocket ”; liegt in der Nähe der Spitze seiner besten Arbeiten, Welten entfernt von der kühlen Sterilität von 'The Life Aquatic' oder 'The Darjeeling Limited' jetzt schon lange verschwunden Robert Musgrave, “; Bottle Rocket ”; ist eher ein Film über Freundschaft und naive Träumer als ein traditionelles Überfallbild, aber das ist vielleicht das, was es so brillant macht. Zum Glück aus Tarantino-Möchtegern-Ismen geboren, als ‘ Rocket ’; Auf die Leinwand geschlagen war es etwas für sich (und wurde als solches belohnt, indem es von Theaterbesuchern routinemäßig ignoriert wurde). Voller charmanter, unterirdischer Komödien bei schlechten Lichtverhältnissen spart das Bild auch nichts an seinem eigentlichen Überfall und zeigt einen zu lustigen Höhepunkt, in dem diese Dummköpfe ihr eng geplantes Schema durchkreuzen ('Ich habe es nicht, ich habe es') habe meine Berührung verloren, ”; Kumar intoniert komisch). Gedämpft, witzig und drollig, “; Flaschenrakete ”; ist ein kleines Juwel.

'Berühren Sie Nicht zu Grisbi”(1954)
Entschuldigung an Marcello Mastroianni und George Clooney, aber einer der höflichsten und umstrittensten Gentlemen, der jemals die Leinwand zierte, war der französische Schauspieler Jean Gabin. Gabin, den Cinephiles für seine 30er und 40er Jahre Filme mit dem großen Jean Renoir am besten bekannt, war damals ein großer Star, hatte aber ein paar schwierige Jahrzehnte, bis dieser Film ihn wieder an die Spitze brachte. In Jacque Beckers Thriller (übersetzt 'Don't Touch The Loot') spielt Gabin eine alternde Gentleman-Haube, die sich zurückziehen will, während es gut läuft, und denkt, dass dies der Plan nach einem erfolgreichen Goldbarrenraub ist. Wie auch immer, die meisten dieser Geschichten sind einfach ins Spiel einzusteigen, und es ist viel schwieriger, sie zu verlassen. Bald erfährt er, dass ein anderer rivalisierender Gangster und brutaler Verbrecherboss (Lino Ventura, der in Kürze wieder auftaucht) von seiner Freundin, einem hübschen Mädchen, gespielt von der damals sehr jungen Jeanne Moreau, von seiner Punktzahl gehört hat. Venturas rücksichtsloser Verbrechensboss gibt Gabin die Wahl, auf Geld zu verzichten oder zu sterben, und das Ergebnis ist ein angespanntes Katz- und Mausspiel. 'Touchez' kann gesprächig und langsam sein, aber die zweite Hälfte steigert die Spannung, während die Einsätze erhöht und Freunde entführt werden, und das explosive Finale enthält eine Action-Sequenz mit Assen, die für ihre Zeit aufregend und immer noch spannend ist. Michael Mann ist mit Sicherheit ein Fan, da Sie den Einfluss dieses Films während seiner gesamten Karriere spüren können.

'Der spanische Gefangene”(1997)
Für seine fünfte Regiearbeit kehrte David Mamet in die Welt der Tricks und Vertrauensmänner zurück. Diesmal ist Joe Ross (der immer unterschätzte Campbell Scott), ein brillanter, aber naiver Erfinder des “; Prozesses ”; Eine vage definierte Formel, die globale Märkte vorhersagen soll und verständlicherweise ein Vermögen wert ist. Ross arbeitet für Mr. Klein (Ben Gazzara), der Ross verspricht, dass ein großer Zahltag bevorsteht, sobald er den “; Prozess ”; verkaufen kann. Während eines Treffens mit potenziellen Investoren in der Karibik lernt Ross Jimmy Dell (Steve Martin, kurz vor Beginn seiner „Zeit für die Finanzierung meiner Sammlung zeitgenössischer Kunst und seiner Banjo-Karriere“) kennen, einen nicht gerade wohlhabenden Fremden. Die beiden treffen sich noch einmal in New York und es entsteht eine Freundschaft. Zu diesem Zeitpunkt würde eine nochmalige Zusammenfassung der Handlung Mamets Drehbuchkritik einen schlechten Dienst erweisen. Interessanterweise entschied sich Mamet, seine gewohnten Einstellungen zu ändern: Anstatt ihre Zeit in verrauchten Pokerlounges und Bars zu verbringen, befinden sich die Filmfiguren in Country-Clubs und exklusiven Restaurants, wobei tagsüber das Äußere die dunklen nächtlichen Gassen des vorherigen Mamet einnimmt Filme. Unter Beibehaltung des bekannten Mamet-Staccato sprechen die Charaktere in einem affektiven und höflichen Ton (der Film hat eine PG-Bewertung erhalten, sodass die F-Bomben von 'Glengarry Glen Ross' nicht existieren). Diese Änderung dient nur dazu, eine bekannte Lektion aus dem Film hervorzuheben: Dinge sind nicht immer so, wie sie scheinen. Und für Fans von “; The Wire ”; Halten Sie nach einem kurzen Auftritt des unnachahmlichen Senators Clay Davis Ausschau.

'Dieb' (1981)
Der “; letzte Job ”; Das Genre ist fast so alt wie das Medium selbst, aber seit Michael Manns “; Dieb ”; Alle Filmemacher, die versuchten, einen solchen Trope zu erforschen, waren nicht in der Lage, die gleichen Höhen zu erreichen. James Caan ist der namensgebende Intrigant, der sich nur schwer auf felsige Allianzen verlassen kann, wenn er verzweifelt nach einem Ausstiegsschild aus seinem Beruf sucht. Wenn Leute versuchen, einen jungen James Caan mit der Brust aus einem anständigen Leben herauszuholen, wissen Sie, dass Sie es mit einigen schlechten Typen zu tun haben. Manns klassischer Thriller ist ein Slow-Burn bis zu einem gewalttätigen Höhepunkt, der direkt aus dem Mann-Spielbuch hervorgeht und von böser männlicher Histrionik, aber auch von unauslöschlicher Trauer erfüllt ist. Es ist nicht so schlecht datiert wie einige Arbeiten von Mann in den 1980er Jahren (das heißt Sie, 'Manhunter') und ist immer noch eines seiner allerbesten Bilder.

'Klasse Berührungsrisiko”(1960)
Der vielseitige Lino Ventura (siehe oben) spielt wieder in Claude Saudets „Classe Touchez Risque“, einem tragischeren und emotionaleren Gangster-Überfall-Film, der herzlose Gangster-Rollen, eisige Polizisten oder sympathische Gauner-Rollen spielt. Mien-Ära. Venturas Abel Davos-Charakter spielt einen ehemaligen Verbrechensboss, der in seiner Heimat Frankreich gesucht wird. Ein junger Mitarbeiter mit aufstrebendem Schläger (Jean-Paul Belmondo) wird geschickt, um ihm die Reise über die Grenze und die beiden Bande zu erleichtern, zumal der jüngere Mann den älteren Mann durch seinen beeindruckenden Ruf kennt. Während Belmondo eine treue Lüge spielt - das Bild wird manchmal als über ihre Beziehung beschrieben -, holt das Gesetz Davos schließlich ein, was für seine Frau und seine Kinder herzzerreißende Umstände mit sich bringt (was es in gewisser Weise zu einer einsamen One-Man-Show macht). Der Regisseur Claude Sautet ist ein immer wieder anzuschauendes und faszinierendes Bild, aber sein 1978 aufgenommenes Bild „A Simple Story“ mit Romy Schneider wurde für den Oscar für den besten fremdsprachigen Film nominiert.

'Der rote Kreis”(1970)
Bei so vielen potenziellen Eintrittspunkten in eine heist Geschichte - in dem Moment, in dem der Plan schief geht, das Treffen der Protagonisten, das Schlüpfen der Handlung - ist dies nur eine der Perversitäten von Jean-Pierre Melville - Le Cercle Rouge ; (ein Name, der einem buddhistischen Zitat entnommen ist und vom Regisseur vorgetäuscht wurde), den er wählt, um seinen Film meilenweit vom Tatort in Zeit, Raum und Stimmung zu starten. Aber die seltsamen, spartanischen Freuden seiner ungewöhnlichen Herangehensweise - zwei der Bande treffen sich aufgrund eines erstaunlichen, glaubenswidrigen Zufalls; der dritte verweigert seinen Gewinnanteil; ihr gegnerischer polizist verfolgt sie unerbittlich, aber wir sehen ihn auch zweimal nach hause kommen, ein bad nehmen und mit seinen katzen sprechen - üben ihre eigene zwingende kraft aus. Nun, es ist entweder das oder Alain Delons Wangenknochen. In jedem Fall kommen wir schrittweise auf das schweigende Trio zu (ganz abgesehen von der tapferen 25-minütigen No-Dialog-Überfallsequenz, gibt es erstaunlich wenig Chat von unseren Antihelden), bis zu ihrem unvermeidlichen Auftritt. Dass dies nicht durch den internen Verrat geschieht, der normalerweise dazu führt, dass sich die Banden der Filmkriminalität auflösen, sondern durch ihre Loyalität untereinander, ist Melvilles Gnadenstoß: Bis dahin sind unsere Sympathien so verdreht, dass wir uns diesen Mördern vollständig anschließen und Diebe gegen eine Welt, die weitaus zweifacher und unedler erscheint als sie. John Woo hätte beinahe ein von Steven Knight geschriebenes Remake inszeniert, aber es brach auseinander - wahrscheinlich zum Besten.

'Der Asphalt-Dschungel”(1950)
John Huston 's 1950 Noir ist vielleicht besser bekannt für die Filme, die es beeinflusste (mindestens die Hälfte der Titel auf dieser Liste, insbesondere 'Rififi'), und für eine frühe, leuchtende Darbietung von Marilyn Monroe, aber der Film knarrt, obwohl es ist stellenweise und durch einen didaktischen, moralischen Dialog beeinträchtigt, ist immer noch ein überzeugendes Stück für sich. Der narrative Bogen (ein Mann hat einen Plan, stellt eine Bande zusammen, zieht einen Überfall ab, nur um den Zufall und die menschliche Natur zu vereiteln) ist so ziemlich die Vorlage für einen Überfallfilm geworden, aber Details wie die Korruption der Polizei und die sorgfältigen Charakterisierungen der Bandenmitglieder halten das Verfahren frisch. Und während zensurfreundliche Debatten über die Natur der Kriminalität im Überfluss stattfinden, ist klar, wo Huston tatsächlich sein Mitgefühl zeigt. Es ist Macht, die nicht gegen Gesetze verstößt, die hier korrumpiert. Die einzigen Personen mit einem Code sind also diejenigen, die ganz unten in der Nahrungskette stehen: Sterling Hayden's Kleinigkeiten; das Mädchen, das ihn liebt; der bucklige Ausreißer und der sicherheitskranke Familienvater. Ekel ist jenen weiter oben in der Hierarchie vorbehalten, deren entartete Begierden sie schließlich vereiteln (sowohl der Mastermind als auch der Front- / Zauncharakter - ein höflicher Louis Calhern - werden durch ihr Interesse an jungen nubilen Mädchen zunichte gemacht), während Haydens Dix belohnt wird für seine Standhaftigkeit, wenn auch fehlgeleitete Loyalität und perversen Adel, mit der Art tragischen, theatralischen, poetischen Todes; Die größte Ehre, auf die ein Filmkrimineller in den unterdrückerischen 50er Jahren Amerikas hoffen konnte.

'Der zweite Atemzug”(1966)
Sprechen Sie über Jean-Paul Belmondos und Alain Delon, wie Sie möchten, aber einer der wahren Größen der französischen Kriminalitätszeit ist der unterdrückte und wundervolle Lino Ventura (wieder dieser Mann…), der auch in mehreren anderen Jean-Pierre-Rollen eine Hauptrolle spielte Melville bilder. Zwar nicht so faszinierend wie Melvilles „Le Samourai“ oder „Le Cercle Rouge“ (und wohl auch nicht so einnehmend wie der von Melville geleitete Krimi „Les Dolous“), „Second Wind“ (wie es in seiner englischen Übersetzung heißt) ) absorbiert, wenn sich ein bisschen für seine 2 1/2 stündige Laufzeit ausbreitet. Der Film beginnt mit einer atemlosen Flucht aus dem Gefängnis und folgt Gu (Ventura), kurz für Gustavo, der versucht, das Land zu verlassen, aber nicht bevor er seine Liebe Machouche (Christine Fabréga) findet. Natürlich muss er noch einen Job erledigen (ist es nicht immer noch einer?), Um genug Kratzer zu sparen, damit er und das Mädchen bequem in ein tropisches Paradies fliehen können. Gekrümmte Bullen (und ein besonders sadistischer Detektiv von Paul Meurisse) machen es sich allerdings nicht leicht, und nehmen Gu in Scheinangriffe auf, schlagen ihn und versuchen, es so aussehen zu lassen, als ob er den Rest der Kriminalwelt verpfiffen hat und Seine Komplizen im blutigen und gewalttätigen Brinks van Bank-Überfall haben sie früher abgezogen. Als Verräter betrachtet, entkommt Gu der Gefangenschaft der Polizei und unternimmt dann alles, um seine Ehre zu räumen, lernt aber schnell, dass Diebe und Ehre sich im Allgemeinen nicht gut vermischen. Der kürzlich verstorbene Alain Corneau versuchte 2007, den Film mit Daniel Auteuil, Monica Belluci und Michel Blanc zu überarbeiten, ohne großen Erfolg.

'Hitze”(1995)
Wie viele verdammte Rezensionen und Artikel zu diesem Film haben sich darauf konzentriert, dass Pacino und De Niro zum ersten Mal auf dem Bildschirm zu sehen sind? Fair genug, es ist eine große Sache, aber „Heat“ ist ein großartiges, komplexes Ensemble-Stück, und das große Method Meet and Greet ist nur ein Teil des polierten Uhrwerks. Diese Bemühungen des Ensembles gehen weit über die Besetzung hinaus: Zwischen ihnen haben der Lenser Dante Spinotti, der Komponist Eliot Goldenthal und der Regisseur Mann einen leuchtenden Traumraum aus der LA-Kulisse gewebt: eine Landschaft, die sowohl unheimlich schön als auch eisig einsam und entmenschlicht ist. Manns Regie-Chops sind auf dem Höhepunkt: Der immersive, kinetische Feuergefecht in der Innenstadt von LA mit seinem wundersamen, brüllenden Sounddesign ist wahrscheinlich das wichtigste Einzelstück der Action-Choreografie, seit Peckinpah die Form neu erfunden hat. Das Drehbuch ist dicht und nuanciert und untersucht die Beziehungen zwischen Bande und Familie, mehrjährige Ängste in Bezug auf emotionales Engagement zwischen Männern und Film Noir sowie ein bestimmtes Ethos der Arbeit als Identität, das in den Zwielichtjahren des amerikanischen Jahrhunderts weit verbreitet war. Die Besetzung ist einheitlich hervorragend. (Geht Al OTT? Nun ja, bis zu einem gewissen Grad, aber es funktioniert hauptsächlich im Zusammenhang mit der Figur und im Gegensatz zu De Niro.) Der Einfluss von 'Heat' gewinnt weiter an Fahrt - 'The Dark Knight', Videospiele wie 'Kane and Lynch', 'Takers' - und sein Status ist so ziemlich der Wahnsinn, was zeitgenössische Überfallfilme angeht.

'Das Nehmen von Pelham eins zwei drei”(1974)
Letztes Jahr hat Tony Scott versucht, Joseph Sargent's bahnbrechenden U-Bahn-Film zu überarbeiten, aber die Wahrheit ist, dass er vor ein paar Jahren von Spike Lee mit 'Inside Man' besiegt wurde. Wie dieser Film, “; Pelham ”; Die Geisel behandelt jede Geisel wie eine reale Person, eine farbenfrohe Figur in einem tödlichen Schachspiel, in dem keine Figur zur Verfügung steht. Aber die peripheren Spieler in “; Pelham ”; Auch der verbissene Zeitmesser Walter Matthau verfolgt den blutrünstigen Bösewicht Robert Shaw in einem von spielerischer Intensität geprägten Katz-und-Maus-Wettbewerb pflichtbewusst bis zu diesem klassischen Schlussschuss. Es ist ein weiterer Film, den Tarantino in 'Reservoir Dogs' mit den farbcodierten Namen der Diebe ‘huldigte’. Oh, und haben wir David Shires All-Timer für eine Partitur erwähnt?

'Grand-Slam' (1967)
Unter der Leitung von Klaus Kinski, Janet Leigh und Edward G. Robinson sollten Sie diesen Film nur anhand des Castings aufspüren. Aber diese englischsprachige Euro-Produktion, die von dem ansonsten unbekannten Giuliano Montaldo inszeniert wird, ist ein magerer Überfall, der uns methodisch durch jeden Schritt eines Jobs führt, von der Einstellung des Expertenteams über die Planung des Jobs bis zur Ausführung nicht ganz so wie es geplant ist. Die Prämisse ist einfach: Ein pensionierter Professor (Robinson) übergibt einem Berufsverbrecher den Job seines Lebens: den Raub einer Diamantenfirma in Brasilien. Mit jedem erdenklichen Blickwinkel wird die Arbeit zum Kinderspiel, wenn kurz vor dem geplanten Überfall ein brandneues Alarmsystem, der Grand Slam 70, installiert wird. Von dort aus wird es noch haariger. Montaldo lenkt mit einem unglaublich visuellen Auge und einem absolut krassen Gefühl, auf und ab zu gehen. Der Film läuft wie ein verdammtes Metronom, das die Nerven zerzaust. Aber all dies würde nichts bedeuten, wenn die tatsächliche Überfallsequenz nicht zu den ganz Großen zählen würde. atemlos hingerichtet, während wir beobachten, wie das Team versucht, seinem späteren Schicksal zu entkommen. “; Grand Slam ”; wird in den üblichen Listen großartiger Überfallfilme so gut wie nie erwähnt, aber sehen Sie sich diesen einfallsreichen, aufregenden und unterhaltsamen Streifen an, und Sie werden sehen, warum er es verdient, entdeckt zu werden.

'Rififi”(1955)
Ja, wir wissen. Dies ist der Urvater aller Überfallfilme, der ganz oben auf der Liste aller steht und dessen Name ständig gelöscht wird. Aber wenn Sie den Film noch nicht gesehen haben (und von Gott, Sie sollten schnell Abhilfe schaffen), lassen Sie sich nicht davon abbringen, dass dies nur ein filmischer Prüfstein ist, über den alle reden, den aber niemand wirklich ansieht. Wenn überhaupt, ist Jules Dassin ”; Rififi ”; bleibt die Vorlage und der Standard, mit einer zentralen Überfallsequenz, die noch zu toppen ist. Die Handlung ist Standard: Vier Männer haben ein Juweliergeschäft im Visier, planen den perfekten Job und die Dinge laufen nicht so, wie sie geplant sind. Aber Dassins Meisterstück ist der 30-minütige, fast lautlose Überfall (kein Dialog, kein Soundtrack), der den Betrachter auf brillante Weise in den herzklopfenden, spannungsgeladenen Raub hineinwirft. Ein Meisterwerk im wahrsten Sinne des Wortes, “; Rififi ”; bleibt aus gutem Grund der Fackelträger des Genres.

Tötungsabend Episode 3

'Hund Tag Nachmittag”(1975)
35 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist es eine Selbstverständlichkeit, wie mutig und seiner Zeit voraus Sidney Lumets 'Dog Day Afternoon' war. Basierend auf einem realen Vorfall folgt Sonny (Al Pacino), ein Vietnam-Tierarzt, der mit einer Gruppe von Kohorten eine Bank beraubt, um die Geschlechtsumwandlung seines (männlichen) Geliebten zu finanzieren. Es ist bemerkenswert, wie ehrlich, sympathisch und klischeefrei es einen schwulen Charakter darstellt - selbst jetzt ist es selten, einen schwulen Charakter wie Sonny zu sehen. Doch auch dann steht seine Homosexualität nicht im Mittelpunkt - ähnlich wie bei „Network“ (wahrscheinlich dem einzigen Film in Lumets Lebenslauf, der diesen Film überragen kann), interessiert sich der Regisseur für Berühmtheit, die Art und Weise, wie die Medien und die Menschen von New York, schmähen und feiern Sie Sonnys Plan. Die Handheld-Dokumentation fühlt sich heute noch frisch an, Frank Piersons Drehbuch ist eine Art Meisterklasse, und die Bearbeitung durch den verstorbenen, großartigen Dede Allen ist erstklassig. Am bemerkenswertesten ist vielleicht Pacinos Auftritt: stark, verletzlich, verzweifelt, revolutionär, männlich, weiblich: Sie können Michael Corleone behalten, dieser ist derjenige, für den wir uns an ihn erinnern werden. Auch die Nebendarsteller dürfen nicht vergessen werden: John Cazale, Charles Durning, Chris Sarandon und sogar ein junger Lance Henriksen sind alle großartig.

- Rodrigo Perez, Nick Clement, Andy Linnane, Oliver Lyttelton, Jessica Kiang, Kevin Jagernauth, Tristan Eldritch und Tan Nguyen



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